Con il termine Wunderkammern si indicavano originariamente delle stanze, piccole o grandi, dedicate all’esposizione di una collezione particolare, ma con il tempo e l’evolversi della società, degli usi e dei costumi, oggi la Wunderkammer indica anche solo una zona espositiva, quale può essere una libreria, una teca o un tavolo in una stanza.

Nasceva, questo gabinetto delle meraviglie, per esporre quelle collezioni personali che, inizialmente dedite esclusivamente al mondo della natura, tra botanica e zoologia, nelle sue espressioni più strane, curiose, uniche e assurde, pian piano si allargarono fino a comprendere oggetti particolari legati sia al mondo della natura, come libri antichi o edizioni curiose sull’erboristeria, statuette di pietra, osso o avorio, minerali, sia ai nuovi mondi della scienza.

L’intero fascino di una Wunderkammer sta soprattutto nell’unicità del tipo di collezione che si raccoglie: oggi non c’è limite per la definizione di una Wunderkammer, che non si lega più solo ai naturalia, ma esplora anche gli artificialia alla ricerca di qualcosa di bizzarro, eccentrico, unico e davvero interessante.

Avete mai pensato di creare una vostra Wunderkammer? Oggi la ricerca di pezzi da collezione è più intrigante e semplice che mai, grazie al mercato globale che ci permette di compiere ricerche da una parte all’altra del mondo. Una conchiglia erosa del Mar Nero, un serpente velenoso sotto formaldeide, una leggendaria Rosa di Gerico da mettere sotto vetro, un frammento di meteorite nero come la notte o la moneta trovata con un metal detector nelle spiagge della Normandia, fino a ricerche ed esposizioni di oggetti estremi, a volte macabri, più spesso spettacolari.

Tutto ciò che ha un profondo valore e significato, tutto ciò che ha una storia unica e si discosta dall’ordinario, merita di finire nelle Wunderkammern.

L’espressione di noi stessi e dei nostri interessi, trova nella Wunderkammer un meraviglioso percorso da compiere: mai, come nella costruzione di questo piccolo angolo delle meraviglie, è la ricerca affrontata durante il viaggio e non l’ottenimento dell’oggetto desiderato, ad essere davvero importante.

Nel nostro e-commerce potete dare il via alla vostra Wunderkammer con alcune curiosità e bizzarrie del passato.

Una teca con un pesce imbalsamato, un pezzo inglese risalente alla fine del 1800 (visita la scheda prodotto)

Una teca gemella della prima, ma con un pesce e misure differenti (visita la scheda prodotto)

Una piccola scatolina in osso destinata alla conservazione degli aghi da cucito, fatta a mano con grande pazienza in Alta Savoia alla fine del 1800 (visita la scheda prodotto)

Una piccola collezione di miniature in osso, fissate in una cornice di bronzo: firmate dall’artista che vi disegnò le Donne, R. Holbe, provengono dalla Germania del 1800 (visita la scheda prodotto)

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Meissonier ebbe una vita segnata dalla Rivoluzione Francese, dove partecipò come soldato e visse episodi e battaglie crudeli. Provò a riportare le orribili sensazioni di quelle esperienze sulla tela, con oli e acquerelli, guadagnandosi da una parte la critica feroce di chi lo considerava un artista dedito alla messa in scena teatrale e macabra della morte, nei suoi dettagli più cruenti e inutili, dall’altra trovando un apprezzamento genuino soprattutto tra artisti suoi pari e grandi nomi contemporanei europei.

Oggi è conosciuto come uno dei pittori napoleonici più rappresentativi dei temi di guerra, eppure fu più di questo: fu allievo di Léon Cogniet, Prix de Rome, che lo stimolò a viaggiare per l’Europa e acquisire punti di vista e tecniche diverse. Fu uno dei primissimi artisti a sperimentare in Francia il miniaturismo a olio, finendo per diventare un prediletto nelle collezioni private di molti mecenati. Fu illustratore di pregio e dipinse moltissime opere soffermandosi sul realismo dei temi, dettagliando in maniera incredibile i suoi quadri che raggiungevano livelli tecnici altissimi.

A Meissonier, lo scultore e artista napoletano Vincenzo Gemito, l’anima tormentata di cui abbiamo raccontato qui la vita, amico della prima generazione della famiglia Pepe che poi fonderà la Bottega Margutta, dedicò una scultura in bronzo alta 63 cm con base in marmo. Gemito ritrae il pittore nell’atto di posare il colore dalla tavolozza a una immaginaria tela: i due uomini avevano un percorso in comune, quello solitario che a lungo li ha portati a distaccarsi dalle convenzioni sociali in favore di una espressione artistica e di vita più sincera, seppur più complicata e difficile.

Clicca qui per visitare la scheda prodotto di Ernest Meissonier a figura intera, Vincenzo Gemito, seconda metà del 1800

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Dopo una esperienza nella Prima Guerra mondiale che lo forma come giovane uomo nel Carso, e che lo vede partecipare alla sconfitta di Caporetto, Giacomo Vittone non rinuncia, come molti prima di lui, all’arte come medicina e linguaggio. L’annientamento che spesso si porta dentro chi ha vissuto l’esperienza della guerra, Vittone lo sconfigge proseguendo un percorso di sperimentazione e studio iniziato già nei primissimi anni del secolo presso lo studio dei fratelli Gatti a Torino. Con la fine della Prima Guerra mondiale però, è necessario seguire anche dei percorsi lavorativi e finisce così per lavorare in banca, sposandosi poi in Istria alla fine degli anni Venti.

Il matrimonio lo porta a trasferirsi in quella che sarà la culla del suo benessere mentale e artistico, la piccola e pittoresca Riva del Garda. Vi è a poca distanza, però, qualcosa che si incide profondamente nel suo spirito: è un luogo abbandonato dove la Seconda Guerra mondiale riesce a non arrivare. Si tratta di Canale di Tenno, un luogo di cui il torinese si innamora e che condivide nelle sue espressioni artistiche con la sua Riva, dove con pazienza e il sostegno degli artisti locali nonché della comunità, istituisce il museo civico con annessa biblioteca, uno sforzo personale compensato da grandi successi e dalla nascita di un ambiente culturale locale che ancora oggi trova stimolo nel suo ricordo e nella sua guida spirituale. A lui oggi vengono ancora dedicati libri, saggi, mostre alla memoria, a dimostrazione che ciò di cui spesso una comunità ha bisogno, è la vera e concreta azione culturale, la gioia della condivisione e la spinta ad andare sempre oltre i confini territoriali, buttandosi nei campi delle grandi espressioni, come l’arte.

Durante gli anni Sessanta, Vittone compie un viaggio al contrario, scendendo dal Trentino nel Lazio, dove si trasferisce a Ostia per questioni legate alla famiglia. Qui inizia una fase della sua vita artistica che lo vede più frenetico e spinto verso tentativi ed evoluzioni di temi e materiali, sempre con un occhio puntato però verso l’Espressionismo più puro.

Vittone è noto e quotato oggi per le sue opere caratteristiche e particolari: gran parte della sua produzione consiste di basi uniche, come cartoni o fogli di giornale, ricchi di colore, scorci di una comunità o di un paesaggio, di vita quotidiana o di stanze, elementi urbani, oggetti di vita.

Oggi a Canale di Tenno, non più abbandonato, esiste la Fondazione Giacomo Vittone, che raccoglie e mette in mostra le opere dell’artista e utilizza i suoi lasciti per contribuire al tessuto spirituale e artistico locale. Giacomo Vittone è morto quasi centenario a Ostia, lasciando un grande numero di opere che oggi è diviso tra la Fondazione e il museo civico cittadino e le collezioni dei privati, amatori o investitori che è possibile trovare alle aste dove ogni tanto viene battuta una sua opera.

La Bottega Margutta ha una discreta collezione di opere relative al secondo periodo, quello Laziale, di Giacomo Vittone disponibili nello shop

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Saremo lì sabato 26 ottobre dalle ore 14,00 in compagnia della proprietaria e imprenditrice antiquaria Laura Pepe, già Presidente dell’Associazione Internazionale di via Margutta

Inaugurazione: La Bottega Margutta, evoluzione digitale. Dal civico 58 al World Wide Web

Sono passati quasi quaranta anni da quando la terza generazione di antiquari di via Margutta, nella figura di Laura Pepe, apriva le porte della Bottega ad appassionati di arte e antiquariato. Un ambito impegnativo: la ricerca dell’unico, dell’antico, del particolare e del bello è sempre stata lunga e complessa, ma oggi, dove tutto si muove alla velocità di un clic, le cose sono cambiate. 

Nel mondo digitale, dove spazio e tempo trascendono, il ’600, il ‘700, e l’800 non sono più così lontani nell’immaginario collettivo dei clienti, i quali possono spaziare nella loro ricerca da un continente all’altro, comodamente seduti in poltrona. Per questo la Bottega Margutta ha deciso di prendere in mano tutto il potenziale offerto dal presente e trasformarsi, evolvendosi, in una realtà online, comunicativa e di mercato, che dalla meravigliosa cornice di via Margutta spicca il volo, diventando un portale di riferimento per chi, di arte, antiquariato, arredamento d’eccezione insieme ad abbigliamento e accessori vintage e rari, fa il proprio stile di vita. 
Inauguriamo, sabato 26 ottobre, con un evento aperto al pubblico, presso i locali della Bottega Margutta al civico 58 della Strada, il lancio ufficiale del sito labottegamargutta.com

Verrà presentato il concept che oltre un anno fa, è stato il motore della trasformazione da bottega antiquaria a portale online: il sito non è solo un punto vendita con – al momento – oltre 800 pezzi unici da collezione in catalogo, tra mobili, oggetti, preziosi e dipinti. L’obiettivo di medio periodo è infatti quello di tendere ad essere un concept space, un punto di riferimento coinvolgente e aggregante sia per chi frequenta già l’ambiente dell’arte, antiquariato, arredamento e collezionismo, sia per chi vuole avvicinarsi a una dimensione storica e culturale che sembra trovare poco spazio nella frenetica attività online.

Per fare questo, labottegamargutta.com ospita un blog di divulgazione artistica e diffonde i suoi contenuti sui social principali, offre punti di vista in pillole sull’arredamento, scova curiosità e spunti utili per guardare con occhi diversi agli spazi personali, segnala iniziative, eventi e mostre che possano stimolare la propria community ad immergersi nel mondo dell’autenticità, condivide infine le scoperte dei colleghi sul mercato e li coinvolge nelle ricerche dei propri clienti, con l’intento di creare una rete di comunicazione e collaborazione settoriale più solida che mai.

Dopo un anno di lavoro, catalogazione, ricerca e costruzione di una community fatta di appassionati, collezionisti, colleghi e clienti, creatasi con il semplice passaparola, la Bottega Margutta è pronta a proiettarsi ufficialmente nel mercato volgendosi a conseguire tre obiettivi principali: diventare un connettore digitale per i colleghi del mondo dell’arte, arredamento e antiquariato; diventare una rete di riferimento e interscambio tra domanda e offerta, dove il pubblico cliente, grazie a una user experience semplificata e immediata, potrà gestire la propria ricerca e interagire con altri appassionati e antiquari. Diventare, infine, una vetrina online dove artisti esordienti ed emergenti nelle varie discipline dell’arte o blogger nella divulgazione artistica e nel settore dell’antiquariato, possono raggiungere il pubblico della Bottega Margutta attraverso gli spazi del concept space online.

In occasione dell’evento di inaugurazione, sabato 26 ottobre dalle 14,00, la Bottega Margutta offrirà ad ogni amico, cliente e visitatore presente un codice sconto del 15% da utilizzare esclusivamente online senza limiti di acquisto fino al 31/12/2019, oltre che uno sconto immediato del 20% sull’esposizione presente negli ambienti di via Margutta n.58.
Inoltre, saranno messi a disposizione altri 1000 codici sconto del 15% utilizzabili più volte fino al 31 dicembre 2019, per chi dal 26 ottobre al 31/12/2019 compie un acquisto sul portale labottegamargutta.com

Alle 18,00 si brinderà con Laura Pepe, la proprietaria della Bottega Margutta, già presidente dell’Associazione Internazionale di via Margutta per oltre dieci anni, che seguirà personalmente l’evoluzione del concept space online!

Per aspera ad astra!

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Abbiamo ammirato, a un sospiro di distanza tra noi e la tela, dei Grandi: da Guttuso a Francis Bacon, da Tiziano a Rousseau, incorniciati dalle sale e dai soffitti di un ex palazzo vescovile la cui cura e dettagli prestigiosi, contribuiscono a trasportarci nel passato, in un altro livello di magnificenza e sensazioni artistiche.

Chiuso per lungo tempo, in una posizione panoramica che sovrasta parte del paese di Sutri, in provincia di Viterbo, Palazzo Doebbing vale la passeggiata di circa un’ora e mezza da Roma e meno di un’ora da Viterbo. Un ingresso con giardino, dove già si ammirano dei bronzi, permette di guardare un panorama ampio, limpidissimo nella giornata della nostra visita. Ammiriamo il verde e i tetti sotto di noi, ammiriamo in lontananza le torri di un castello nei pressi di un lago, ammiriamo la torre che ci sovrasta e allunga la sua ombra, protettiva e accogliente, verso il piccolo prato dove sostiamo.

Palazzo Doebbing ha grosse mura spesse, porzioni di tradizionale tufo a vista, pavimenti di antichissimi mattoni in cotto. I soffitti sono alti e scopriremo che ogni stanza ha il proprio: diverso, importante, a volte con la stratificazione del tempo mantenuta a vista. Ci sentiamo come visitatori privilegiati di spazi dove non è affatto difficile immaginare tonache scure e passi felpati, bisbigli, luci dell’alba che schiariscono le tante sale dei tre piani, luminosissimi, su cui si sviluppa l’esposizione attuale.

Dall’aprile 2019 al gennaio 2020, è possibile passeggiare per Palazzo Doebbing ammirando, senza nessuna teca protettiva o cordone di separazione, senza nessun filtro, senza nessun ostacolo spaziale, le tele e le opere di artisti il cui nome fa sognare.

Durante la nostra visita, siamo solo noi e queste opere, noi e nessun altro: una coppia di turisti tedeschi compare ogni tanto incrociando i nostri percorsi, ammutoliti dalla possibilità di portare gli occhi talmente vicini al queste meraviglie, da ammirarne le singole pennellate, vedervi addirittura una setola rimasta incastrata in un verde meraviglioso. Loro e noi siamo senza parole per questo annullamento spazio-temporale che ci permette di respirare la tela alla stessa distanza in cui lo fecero gli artisti.

All’ingresso ci accoglie (in esposizione permanente), unico elemento protetto in una teca, l’antichissimo Efebo di Sutri, scoperto per caso in un terreno durante degli scavi agricoli. Un mistero che vivrà per sempre, questo bellissimo Efebo davvero ben conservato: ripescato dalla terra a testa in giù, abbandonato in mezzo al niente, dove le indagini degli archeologi non hanno trovato segno di vita. Forse un esemplare caduto durante un viaggio, una refurtiva nascosta, uno scherzo dimenticato?

La scelta, dopo aver ringraziato l’Efebo per il suo benvenuto, è quella di salire o scendere. Se scendiamo, arriviamo subito alle cantine che ospitano una mostra di fotografia contemporanea molto emozionante e visivamente notevole. Sono i tritratti degli ultracentenari di un paesino della Sardegna, volti nitidisissimi su sfondi ben delineati e che raccontano il background di storie individuali che, nell’atmosfera semibuia e più fredda della cantina, si vivono sulla pelle, così vicine e grandi ai nostri occhi. Possiamo ammirare su grandi pannelli i dettagli delle fotografie, con tutta calma: il silenzio, le luci basse, l’atmosfera chiusa e fresca della cantina, ci regalano dei momenti di apprezzatissima solitudine, confortante. Anche i nostri pensieri, così come le foto di Carlos Solito e di questa mostra, intitolata A Chent’annos (A Cent’anni in logudorese), sono limpidi e fermi.

Torniamo su: se l’anticipo della mostra, le fotografie di Solito, ci danno un’idea di ciò che vedremo, abbiamo già i brividi di gioia.
Ci accolgono subito le tele, enormi e dai colori meravigliosi, di Luca Crocicchi, tele davanti a cui si ha l’impressione di entrare completamente: sono sentieri e spazi in cui domina il verde smeraldo, leggermente offuscato come se guardassimo la scena di un sogno. I colori chiari sono pastello, ma quel verde che fa da filo conduttore in queste tele, o che almeno a noi semplici amatori e non critici, sembra farci da guida in uno scorcio dopo l’altro… è vibrante e vivo, ed è bellissimo stare fermi lì davanti e immaginare di esserci in mezzo.

Ci accorgiamo da subito che le sale di Palazzo Doebbing sono generose: i portoni e i soffitti ci hanno subito fatto innamorare, non sappiamo dove guardare e abbiamo voglia di muoverci e di spostarci da una sala all’altra, contemporaneamente, di guardare fuori il panorama dalle luminose finestre, di guardare da vicino i bronzi di Ernesto Lamagna, il cui impatto è doloroso; scatena in noi la morbosità verso l’aspetto più oscuro della realtà e dell’arte.

Vedremo a bocca aperta la grandezza, non solo letterale, di due opere pregiatissime: L’Immacolata, di Scipione Pulzone (1581), e L’Estasi di San Francesco di Tiziano (1561), dai colori e dalla potenza ancora esplosivi. Non si può commentare granché davanti a opere di questo livello, perché il peso della Storia e il valore culturale di quest’arte, sono una eredità che parla da sola al posto nostro.
Come per dare respiro al visitatore, le sale del palazzo con il loro silenzio e l’ampiezza, mostrano timidamente dettagli architettonici su cui si fa una pausa: un grande camino coperto, fregi alle pareti, affreschi decorativi discreti.

La nostra visita solitaria continua, davanti alla serie di autoritratti di Fausto Pirandello. Di lui ancora non sappiamo niente, ma prendiamo disarmati quello che le sue opere trasmettono: il suo volto cambia, cambiano i colori, cambiano le emozioni. Pirandello sembra essere un uomo (e forse anche un artista) abbastanza tormentato, in bilico tra il rimpianto di una serenità che si nota in alcuni autoritratti puliti, sereni e giovanili, e la cupezza e la depressione che lo vedono ritrarsi con espressioni stravolte, stanche, abbattute. Salta subito all’occhio la delicatezza del tratto ma soprattutto il contrasto con ciò che viene rappresentato: i volti di Pirandello sono una esperienza da viversi in silenzio, un po’ impacciati, un po’ mortificati del non saper cogliere tutta la storia che vi è nascosta dietro.

Molto più corposi in termini di angoli e colori, i quadri di Ottone Rosai, che ci raccontano anche qui una storia di emozioni contrastanti. Cioè che Rosai ci trasmette è la sensazione di avere davanti una pittura aggressiva, decisa, piena di idee: vediamo opere dove ci sono figure e linee ben marcate ma i colori non sono vibranti, sono pesanti, a volte si inseguono nelle tonalità più scure. Anche qui ci domandiamo che storia, certamente un po’ tormentata, abbia dietro questo pittore che qui conosciamo per la prima volta.

Ligabue e Guttuso invece, non hanno nessun bisogno di presentazione e se già conosciamo le loro opere e il loro modo di fare arte, ne restiamo comunque impressionati, come se avessimo davanti loro stessi in persona. Tanta è la soggezione che queste opere ci trasmettono, semplicemente esposte lì, in una parete grandissima, illuminate dal sole, pezzi di visioni e osservazioni e pensieri di due tra i più grandi artisti del Novecento.

Perla tra le perle, l’esposizione di opere di Francis Bacon, introdotta da un commento audiovisivo dove si raccontano retroscena della vita dell’artista e del suo modo di fare arte: l’impatto è notevole, bello, l’espressione su tela intrigante, misteriosa, capace di creare confusione e stordire, grazie a questi volti che ci sono e non ci sono e a questi colori di sfondo che travolgono fin da lontano.

Infine, la parte che più abbiamo trovato bella, coinvolgente, splendida, seppur tutto il percorso fino a questo momento è stato una meraviglia, da godersi attimo per attimo. Le tele di Henri Rousseau, i colori accesi, frenetici, la ricchezza dei dettagli, le scene dinamiche, le espressioni di vite e di cieli che strillano decisi in una delle sale più grandi, su al terzo piano.
Qui, ciò che ci resta più impresso, è un dipinto di Ligabue: siamo a pochi centimetri da una tigre che si agita selvaggiamente morsa da una tarantola e siamo totalmente coinvolti in questa visione, quasi sconcertati dal dolore che la posizione del corpo e i colori di questo animale ferito ci trasmettono.

Non possiamo che uscire allibiti e davvero contenti, soddisfatti e assolutamente entusiasti di questa mattinata. Palazzo Doebbing è bellissimo, le opere che ospita sono state, in un modo molto intimo, tutte per noi: un regalo che ci fa sentire dei privilegiati. Questo, proprio questo sentirsi ricchi e appagati e speciali, è ciò che l’arte dovrebbe trasmettere a ognuno di noi. Critico o amatore, conoscitore o ignorante in materia, giovane o vecchio: l’arte che arricchisce e nutre lo spirito è proprio questa, proprio qui, a un dito di distanza tra la tela e l’occhio.

Le immagini dell’articolo sono tutte prese dal sito web ufficiale di Palazzo Doebbing

L'articolo Abbiamo visitato la mostra «Da Tiziano a Bacon»… ed è stato bellissimo proviene da La Bottega Margutta.

La notte del 18 marzo 1990, degli uomini si introdussero nel museo, immobilizzando le guardie. Per oltre un’ora, si aggirarono indisturbati ma frenetici per i saloni della struttura, puntando 13 opere d’arte che furono, orrore tra gli orrori, strappate dalle cornici ospitanti con dei taglierini: tele approssimativamente ritagliate via e destinate probabilmente al mercato nero per il piacere di qualche collezionista senza scrupoli, magari addirittura un committente del furto, capace di godere di opere preziose rovinate in maniera atroce e destinate infine solo al suo singolo piacere.

Il valore della refurtiva si aggira intorno ai 500 milioni di dollari, una cifra incredibile per un danno ancora più incalcolabile, che ha visto il patrimonio pubblico privato di opere uniche di Degas, Manet, Vermeer, Rembrandt van Rijn, Flinck… mentre ancora oggi resta di dieci milioni di dollari la ricompensa messa a disposizione dal Museo per qualsiasi informazione che porti a una diretta risoluzione del caso. Informazione che non è mai arrivata e che ha trascinato nel corso degli ultimi trenta anni, questo mistero che ha tutta l’aria del diabolico piano di un giallo vecchia scuola.

Un furto con testimoni ma senza nessuna traccia, indagini che hanno coinvolto i gradi più alti dell’ FBI e autorità del mondo dell’arte, una intera mappa di connessioni e sospetti, da un Oceano all’altro, ladri e mercanti d’arte, collezionisti, informatori, ma nessun indizio e nessun risultato.

Restano le cornici vuote ancora appese nel Gardner, lì dove un tempo vibravano alcune delle tele più belle tra le eredità dei loro autori: solo la tecnologia ha potuto dare una mano e un gruppo di giovani è riuscito a rimettere al loro posto, con la realtà aumentata, i quadri rubati grazie a una app che ironicamente si chiama Hacking The Heist. Puntando il telefonino contro le tele vuote, si può vedere il quadro completo. Semplice ma dal retrogusto malinconico.

L'articolo Il furto più clamoroso nella storia dell’arte non è mai stato risolto proviene da La Bottega Margutta.

Assolutamente da vedere è la Fortezza di Civitella del Tronto, un luogo unico che ritroviamo come attrativa nella lista dei Borghi più Belli d’Italia. La Fortezza, così come la cittadina di Civitella, non si sono piegate agli eventi del 2016, la serie di terremoti che hanno scosso l’Abruzzo. D’altra parte, la Fortezza è una delle opere di ingegneria militare più spettacolari sul suolo italiano e ha resistito a secoli di aggressioni e battaglie, guadagnandosi il titolo di ultima roccaforte del regno borbonico ad arrendersi a Vittorio Emanuele II nel 1861. Oggi tutta l’intera struttura che conta 25.000 mq è completamente visitabile, per la gioia di grandi e piccoli: attraverso diversi camminamenti si possono ripercorrere i passi di vescovi, soldati e cittadini che fin dall’anno Mille hanno sostato nella Fortezza, che offre una spettacolare vista. C’è anche un bel Museo delle Armi, che ha anche una ricca selezione di mappe storiche.

A Palazzo Reale a Milano, fino a gennaio 2020, è possibile ammirare una mostra su Giorgio De Chirico le cui opere sono state raccolte, per l’occasione, da importanti musei sparsi per il mondo. Una immersione totale nella Metafisica del grande maestro del XX° secolo che si dirama per ben otto sale ma che offre al pubblico anche le incursioni di De Chirico nelle altre grandi correnti del suo tempo. Una personalità davvero complessa, curiosa, temeraria, poco incline al compromesso: De Chirico fu l’uomo criptico, l’appassionato del dio Apollo, il permaloso avventuriero del surrealismo, un artista che visse un sogno in stato di veglia e fu capace di testimoniarlo concretamente nelle sue tele. Sicuramente, egli è una eredità storica da conoscere e ammirare in questa occasione unica: l’ultima personale completa di De Chirico risale al 1970. Si tratta quindi di un evento culturale di rara portata, qualcosa di cui essere testimoni.

A poco più di un’ora di auto dai più conosciuti siti di Roma, è possibile immergersi in una nuova realtà artistica e culturale fortemente voluta dal primo cittadino di Sutri, seimila abitanti in provincia di Viterbo. Lui è Vittorio Sgarbi e una sue prime innovazioni è stata quella di riaprire al pubblico il bellissimo Palazzo Doebbing, ex sede vescovile e oggi museo che accoglie, tra sotterranei e piani alti del tredicesimo secolo, esposizioni temporanee che ogni sei mesi rinnovano gli spazi tra contemporaneo e antico. Dall’arte a tema sacro del Tiziano all’opera più colorata e solida di Guttuso, agli scenari tropicali di Rousseau, passando per Ligabue e Pirandello, fino alle esposizioni di fotografia moderna dedicate al volto degli ultracentenari sardi, con uno sguardo sulle opere di Francis Bacon; questo, incredibilmente, è ciò che fino a gennaio 2020 offre il Palazzo, le cui sale offrono anche una cornice architettonica di indubbia bellezza a cui va dedicato uno sguardo speciale per i soffitti, meravigliosi. Da tenere d’occhio per tutti i nuovi stimoli che dimostrano quanto la provincia italiana sia destinata a supportare, in un ruolo di primo piano, la cultura italiana, grazie alla volontà di chi non accetta più che i nostri tesori siano accantonati. Da segnalare anche le iniziative nell’Auditorium e il piccolo, delizioso giardino labirintico, poco distante, di Villa Savorelli.

L'articolo Autunno in bellezza: tre cose da vedere prima del 2020 proviene da La Bottega Margutta.

In cucina oggi il rame è relegato a un utilizzo di nicchia, principalmente per due motivi: il costo del pentolame e la gestione di cui necessita. Le nostre nonne, che non erano di certo spaventate dal lavoro manuale, dedicavano una giornata alla settimana per lucidare tutte le stoviglie. Oggi deleghiamo questo compito alla lavastoviglie e ai suoi prodotti, ma il rame non è adatto per questo tipo di pulizia: lo stagno inserito all’interno che fa da barriera tra gli alimenti e il rame, potrebbe sparire, macchiarsi e rovinarsi e così può succedere parte esterna.

La maggior parte del pentolame in rame che si trova oggi in commercio, è dotato di uno strato antiaderente per renderlo più confortevole all’utilizzo di ogni giorno. Il rame antico aveva, come detto, l’interno stagnato oppure, nel caso delle forme per i dolci o certi tipi di pane, assolutamente niente, in quanto la farina di mais e l’acqua, a contatto con il rame non creano ossidazione.

Il peso del pentolame in rame è una caratteristica che lo rende unico: potrà anche risultare scomodo oggi, dove le cucine moderne non prevedono grandi spazi per utensili da appendere, ma in una cucina rustica o in un ambiente antico, sono proprio questi utensili a regalare l’atmosfera di casa, in primo piano su uno sfondo di pietra o legno.

Soprattutto, il vantaggio di una pentola in rame oltre alla favolosa cottura, è la sua immortalità. Botte, ammaccature, stagnatura che va via per il lungo utilizzo: il rame non teme niente di tutto questo poiché bastano una nuova stagnatura, una lucidatura e l’uso di un martellino di legno per rimetterlo in piedi e renderlo come nuovo. Per questo il rame è un perfetto conduttore anche storico: si tramandano ricette, usi e segreti così come si tramandano le stesse pentole, per generazioni. Il suo unico nemico è l’altissima temperatura, la cui soglia massima per evitare che il rame si ammorbidisca è di 250°C. Ma in generale il rame non viene utilizzato per cotture, sul fuoco o al forno, che prevedono questo picco di calore. E la pulizia? I nostri pezzi sono tutti del 1800 e ne hanno passati di fuochi e mestolate! Eppure sono ancora perfetti: il segreto di una buona lucidatura è un po’ di sale e limone, parola di nonna.

Se volete cimentarvi nella cucina con il rame, nella nostra sezione trovate una ampia selezione di rame antico, dalle forme per dolci oggi introvabili, con decorazioni uniche e folkloristiche, ai paioli e mestoli per riscoprire la cottura collettiva.

L'articolo Antiche tradizioni: il rame in cucina proviene da La Bottega Margutta.

I reliquiari a ostensorio sono tipici dell’età Medievale e il loro nome deriva dalla forma molto simile a quella dell’ostensorio eucaristico. Nella Storia dei Reliquiari si legge:

I primi reliquiari erano molto semplici, costituiti da cassette di legno o da riproduzioni di chiese e prendevano il nome di scrigno. Tra le prime reliquie vi furono quelle costituite dai corpi dei martiri delle persecuzioni dei primi secoli: essi venivano obbligatoriamente sepolti nei cimiteri o nelle catacombe, nel caso di Roma, perché secondo la legge romana non si potevano tenere i corpi dei defunti dentro il perimetro delle città. A volte parti della salma venivano asportate e conservate in altri luoghi. Un grande impulso si ebbe dopo l’Editto di Milano con il quale Costantino autorizzò il Cristianesimo: si permise la sepoltura di santi, martiri e altro nelle chiese. Reliquie della croce sulla quale era morto Gesù Cristo divennero molto comuni dal IX secolo ed erano contenute in reliquiari a forma di croce. Dal X secolo cominciarono ad apparire reliquiari aventi la forma esterna del tipo di reliquia in essi contenuta, quindi a forma di mano, teschio, braccio ed altre parti del corpo umano. In epoca gotica si viene determinando una tipologia molto simile all’ostensorio e si sviluppa il reliquiario in forme architettoniche.

I reliquiari a ostensorio sono tipicamente esposti sull’altare per mostrare la reliquia all’interno e possono essere portati in processione, sollevati verso l’alto per permettere ai fedeli di vedere l’oggetto venerato.

La nostra coppia di reliquiari a ostensorio, proveniente da Napoli e datati prima metà del 1700, presenta due singoli elementi molto simili tra loro, riccamente decorati come da tradizione, in argento sbalzato montato su legno. Per le schede prodotto cliccare QUI e QUI

L'articolo Di sacro e antico: il reliquiario a ostensorio proviene da La Bottega Margutta.

Accessorio immancabile in una cucina russa, il samovar ha quasi certamente origini europee anche se ne ritroviamo tracce antiche in Turchia: probabilmente l’origine del samovar russo è rintracciabile in un primo modello olandese introdotto in Russia da Pietro il Grande, che con l’Olanda, all’epoca, aveva moltissimi affari e piaceri da gestire.

Presto migliorato rispetto a quel primo, curioso e stupefacente oggetto importato al seguito dello zar, il samovar divenne il simbolo della cucina russa, padrone incontrastato del tavolo o anche della stanza intera, nel caso dei samovar da pavimento, decisamente grandi e utili anche come riscaldamento.
La famiglia amava riunirsi intorno a questo grande bollitore e prendere il tè in un rito comune a moltissimi popoli che, anche in Russia, univa tutte le classi sociali. Il samovar era così presente che divenne ovviamente anche un simbolo dell’agiatezza dei suoi possessori: dall’ottone al rame, i più diffusi, fino a preziosi samovar interamente in argento o addirittura in oro, ricchi di intarsi, sezioni in porcellana, legni pregiati o pietre preziose. I più costosi mai fatti sono certamente quelli di Fabergé, il notissimo orafo russo, per pochissimi privilegiati.

Oggi il samovar ha perso molto del suo valore sociale e storico, non è più il simbolo di un momento collettivo, intimo, tra amici e famiglia. Gli antichi samovar sono diventati oggetti da collezione, sostituiti dai più comodi modelli elettrici, che non riescono però a sostituire il piacere grandissimo della preparazione e della cura necessari alla messa in opera di un vero e proprio rituale. Ivan Aleksandrovič Gončarov, quel brillante autore che ha dato alle stampe la storia dell’uomo più pigro della storia, Oblomov, scriveva nel suo libro Fregata Pallada dedicato alle memorie in mare: “Saprai cosa significa una tazza di tè quando, di ritorno da un gelo pungente con trenta gradi sotto zero, entrerai in una stanza calda e ti siederai accanto al samovar per saggiare la dignità del tè”.

Praticamente impossibile addentrarsi nella letteratura russa senza trovare un riferimento al samovar, al tè e alla comunione intorno a questo grande bollitore che spesso ospitava in cima porcellane orientali o europee. Curioso infatti come in Russia, il culto del tè sia arrivato tardi, nel 1600 circa, introdotto proprio dalla Cina insieme agli accessori tradizionali necessari alla preparazione e al servizio. Eppure, prima del tè, ai tempi del leggendario Regno di Rus’, esisteva lo sbiten’, una beanda a base di miele ed erbe medicinali che però, di fronte all’ingresso del tè, non ha retto il confronto: così i russi ne hanno fatto un simbolo di orgoglio e distinzione, tanto da far diventare la loro versione nazionale famosa in tutto il mondo, sebbene per molti sia davvero troppo forte (tè nero e foglie di menta in infusione a creare un elisir potentissimo e soprattutto bollente).

Il samovar presentato in queste immagini appartiene alla nostra selezione antiquaria, è stato acquisito in Inghilterra e si può acquistare qui.

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