Con il termine Wunderkammern si indicavano originariamente delle stanze, piccole o grandi, dedicate all’esposizione di una collezione particolare, ma con il tempo e l’evolversi della società, degli usi e dei costumi, oggi la Wunderkammer indica anche solo una zona espositiva, quale può essere una libreria, una teca o un tavolo in una stanza.

Nasceva, questo gabinetto delle meraviglie, per esporre quelle collezioni personali che, inizialmente dedite esclusivamente al mondo della natura, tra botanica e zoologia, nelle sue espressioni più strane, curiose, uniche e assurde, pian piano si allargarono fino a comprendere oggetti particolari legati sia al mondo della natura, come libri antichi o edizioni curiose sull’erboristeria, statuette di pietra, osso o avorio, minerali, sia ai nuovi mondi della scienza.

L’intero fascino di una Wunderkammer sta soprattutto nell’unicità del tipo di collezione che si raccoglie: oggi non c’è limite per la definizione di una Wunderkammer, che non si lega più solo ai naturalia, ma esplora anche gli artificialia alla ricerca di qualcosa di bizzarro, eccentrico, unico e davvero interessante.

Avete mai pensato di creare una vostra Wunderkammer? Oggi la ricerca di pezzi da collezione è più intrigante e semplice che mai, grazie al mercato globale che ci permette di compiere ricerche da una parte all’altra del mondo. Una conchiglia erosa del Mar Nero, un serpente velenoso sotto formaldeide, una leggendaria Rosa di Gerico da mettere sotto vetro, un frammento di meteorite nero come la notte o la moneta trovata con un metal detector nelle spiagge della Normandia, fino a ricerche ed esposizioni di oggetti estremi, a volte macabri, più spesso spettacolari.

Tutto ciò che ha un profondo valore e significato, tutto ciò che ha una storia unica e si discosta dall’ordinario, merita di finire nelle Wunderkammern.

L’espressione di noi stessi e dei nostri interessi, trova nella Wunderkammer un meraviglioso percorso da compiere: mai, come nella costruzione di questo piccolo angolo delle meraviglie, è la ricerca affrontata durante il viaggio e non l’ottenimento dell’oggetto desiderato, ad essere davvero importante.

Nel nostro e-commerce potete dare il via alla vostra Wunderkammer con alcune curiosità e bizzarrie del passato.

Una teca con un pesce imbalsamato, un pezzo inglese risalente alla fine del 1800 (visita la scheda prodotto)

Una teca gemella della prima, ma con un pesce e misure differenti (visita la scheda prodotto)

Una piccola scatolina in osso destinata alla conservazione degli aghi da cucito, fatta a mano con grande pazienza in Alta Savoia alla fine del 1800 (visita la scheda prodotto)

Una piccola collezione di miniature in osso, fissate in una cornice di bronzo: firmate dall’artista che vi disegnò le Donne, R. Holbe, provengono dalla Germania del 1800 (visita la scheda prodotto)

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Meissonier ebbe una vita segnata dalla Rivoluzione Francese, dove partecipò come soldato e visse episodi e battaglie crudeli. Provò a riportare le orribili sensazioni di quelle esperienze sulla tela, con oli e acquerelli, guadagnandosi da una parte la critica feroce di chi lo considerava un artista dedito alla messa in scena teatrale e macabra della morte, nei suoi dettagli più cruenti e inutili, dall’altra trovando un apprezzamento genuino soprattutto tra artisti suoi pari e grandi nomi contemporanei europei.

Oggi è conosciuto come uno dei pittori napoleonici più rappresentativi dei temi di guerra, eppure fu più di questo: fu allievo di Léon Cogniet, Prix de Rome, che lo stimolò a viaggiare per l’Europa e acquisire punti di vista e tecniche diverse. Fu uno dei primissimi artisti a sperimentare in Francia il miniaturismo a olio, finendo per diventare un prediletto nelle collezioni private di molti mecenati. Fu illustratore di pregio e dipinse moltissime opere soffermandosi sul realismo dei temi, dettagliando in maniera incredibile i suoi quadri che raggiungevano livelli tecnici altissimi.

A Meissonier, lo scultore e artista napoletano Vincenzo Gemito, l’anima tormentata di cui abbiamo raccontato qui la vita, amico della prima generazione della famiglia Pepe che poi fonderà la Bottega Margutta, dedicò una scultura in bronzo alta 63 cm con base in marmo. Gemito ritrae il pittore nell’atto di posare il colore dalla tavolozza a una immaginaria tela: i due uomini avevano un percorso in comune, quello solitario che a lungo li ha portati a distaccarsi dalle convenzioni sociali in favore di una espressione artistica e di vita più sincera, seppur più complicata e difficile.

Clicca qui per visitare la scheda prodotto di Ernest Meissonier a figura intera, Vincenzo Gemito, seconda metà del 1800

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Dopo una esperienza nella Prima Guerra mondiale che lo forma come giovane uomo nel Carso, e che lo vede partecipare alla sconfitta di Caporetto, Giacomo Vittone non rinuncia, come molti prima di lui, all’arte come medicina e linguaggio. L’annientamento che spesso si porta dentro chi ha vissuto l’esperienza della guerra, Vittone lo sconfigge proseguendo un percorso di sperimentazione e studio iniziato già nei primissimi anni del secolo presso lo studio dei fratelli Gatti a Torino. Con la fine della Prima Guerra mondiale però, è necessario seguire anche dei percorsi lavorativi e finisce così per lavorare in banca, sposandosi poi in Istria alla fine degli anni Venti.

Il matrimonio lo porta a trasferirsi in quella che sarà la culla del suo benessere mentale e artistico, la piccola e pittoresca Riva del Garda. Vi è a poca distanza, però, qualcosa che si incide profondamente nel suo spirito: è un luogo abbandonato dove la Seconda Guerra mondiale riesce a non arrivare. Si tratta di Canale di Tenno, un luogo di cui il torinese si innamora e che condivide nelle sue espressioni artistiche con la sua Riva, dove con pazienza e il sostegno degli artisti locali nonché della comunità, istituisce il museo civico con annessa biblioteca, uno sforzo personale compensato da grandi successi e dalla nascita di un ambiente culturale locale che ancora oggi trova stimolo nel suo ricordo e nella sua guida spirituale. A lui oggi vengono ancora dedicati libri, saggi, mostre alla memoria, a dimostrazione che ciò di cui spesso una comunità ha bisogno, è la vera e concreta azione culturale, la gioia della condivisione e la spinta ad andare sempre oltre i confini territoriali, buttandosi nei campi delle grandi espressioni, come l’arte.

Durante gli anni Sessanta, Vittone compie un viaggio al contrario, scendendo dal Trentino nel Lazio, dove si trasferisce a Ostia per questioni legate alla famiglia. Qui inizia una fase della sua vita artistica che lo vede più frenetico e spinto verso tentativi ed evoluzioni di temi e materiali, sempre con un occhio puntato però verso l’Espressionismo più puro.

Vittone è noto e quotato oggi per le sue opere caratteristiche e particolari: gran parte della sua produzione consiste di basi uniche, come cartoni o fogli di giornale, ricchi di colore, scorci di una comunità o di un paesaggio, di vita quotidiana o di stanze, elementi urbani, oggetti di vita.

Oggi a Canale di Tenno, non più abbandonato, esiste la Fondazione Giacomo Vittone, che raccoglie e mette in mostra le opere dell’artista e utilizza i suoi lasciti per contribuire al tessuto spirituale e artistico locale. Giacomo Vittone è morto quasi centenario a Ostia, lasciando un grande numero di opere che oggi è diviso tra la Fondazione e il museo civico cittadino e le collezioni dei privati, amatori o investitori che è possibile trovare alle aste dove ogni tanto viene battuta una sua opera.

La Bottega Margutta ha una discreta collezione di opere relative al secondo periodo, quello Laziale, di Giacomo Vittone disponibili nello shop

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Saremo lì sabato 26 ottobre dalle ore 14,00 in compagnia della proprietaria e imprenditrice antiquaria Laura Pepe, già Presidente dell’Associazione Internazionale di via Margutta

Inaugurazione: La Bottega Margutta, evoluzione digitale. Dal civico 58 al World Wide Web

Sono passati quasi quaranta anni da quando la terza generazione di antiquari di via Margutta, nella figura di Laura Pepe, apriva le porte della Bottega ad appassionati di arte e antiquariato. Un ambito impegnativo: la ricerca dell’unico, dell’antico, del particolare e del bello è sempre stata lunga e complessa, ma oggi, dove tutto si muove alla velocità di un clic, le cose sono cambiate. 

Nel mondo digitale, dove spazio e tempo trascendono, il ’600, il ‘700, e l’800 non sono più così lontani nell’immaginario collettivo dei clienti, i quali possono spaziare nella loro ricerca da un continente all’altro, comodamente seduti in poltrona. Per questo la Bottega Margutta ha deciso di prendere in mano tutto il potenziale offerto dal presente e trasformarsi, evolvendosi, in una realtà online, comunicativa e di mercato, che dalla meravigliosa cornice di via Margutta spicca il volo, diventando un portale di riferimento per chi, di arte, antiquariato, arredamento d’eccezione insieme ad abbigliamento e accessori vintage e rari, fa il proprio stile di vita. 
Inauguriamo, sabato 26 ottobre, con un evento aperto al pubblico, presso i locali della Bottega Margutta al civico 58 della Strada, il lancio ufficiale del sito labottegamargutta.com

Verrà presentato il concept che oltre un anno fa, è stato il motore della trasformazione da bottega antiquaria a portale online: il sito non è solo un punto vendita con – al momento – oltre 800 pezzi unici da collezione in catalogo, tra mobili, oggetti, preziosi e dipinti. L’obiettivo di medio periodo è infatti quello di tendere ad essere un concept space, un punto di riferimento coinvolgente e aggregante sia per chi frequenta già l’ambiente dell’arte, antiquariato, arredamento e collezionismo, sia per chi vuole avvicinarsi a una dimensione storica e culturale che sembra trovare poco spazio nella frenetica attività online.

Per fare questo, labottegamargutta.com ospita un blog di divulgazione artistica e diffonde i suoi contenuti sui social principali, offre punti di vista in pillole sull’arredamento, scova curiosità e spunti utili per guardare con occhi diversi agli spazi personali, segnala iniziative, eventi e mostre che possano stimolare la propria community ad immergersi nel mondo dell’autenticità, condivide infine le scoperte dei colleghi sul mercato e li coinvolge nelle ricerche dei propri clienti, con l’intento di creare una rete di comunicazione e collaborazione settoriale più solida che mai.

Dopo un anno di lavoro, catalogazione, ricerca e costruzione di una community fatta di appassionati, collezionisti, colleghi e clienti, creatasi con il semplice passaparola, la Bottega Margutta è pronta a proiettarsi ufficialmente nel mercato volgendosi a conseguire tre obiettivi principali: diventare un connettore digitale per i colleghi del mondo dell’arte, arredamento e antiquariato; diventare una rete di riferimento e interscambio tra domanda e offerta, dove il pubblico cliente, grazie a una user experience semplificata e immediata, potrà gestire la propria ricerca e interagire con altri appassionati e antiquari. Diventare, infine, una vetrina online dove artisti esordienti ed emergenti nelle varie discipline dell’arte o blogger nella divulgazione artistica e nel settore dell’antiquariato, possono raggiungere il pubblico della Bottega Margutta attraverso gli spazi del concept space online.

In occasione dell’evento di inaugurazione, sabato 26 ottobre dalle 14,00, la Bottega Margutta offrirà ad ogni amico, cliente e visitatore presente un codice sconto del 15% da utilizzare esclusivamente online senza limiti di acquisto fino al 31/12/2019, oltre che uno sconto immediato del 20% sull’esposizione presente negli ambienti di via Margutta n.58.
Inoltre, saranno messi a disposizione altri 1000 codici sconto del 15% utilizzabili più volte fino al 31 dicembre 2019, per chi dal 26 ottobre al 31/12/2019 compie un acquisto sul portale labottegamargutta.com

Alle 18,00 si brinderà con Laura Pepe, la proprietaria della Bottega Margutta, già presidente dell’Associazione Internazionale di via Margutta per oltre dieci anni, che seguirà personalmente l’evoluzione del concept space online!

Per aspera ad astra!

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In cucina oggi il rame è relegato a un utilizzo di nicchia, principalmente per due motivi: il costo del pentolame e la gestione di cui necessita. Le nostre nonne, che non erano di certo spaventate dal lavoro manuale, dedicavano una giornata alla settimana per lucidare tutte le stoviglie. Oggi deleghiamo questo compito alla lavastoviglie e ai suoi prodotti, ma il rame non è adatto per questo tipo di pulizia: lo stagno inserito all’interno che fa da barriera tra gli alimenti e il rame, potrebbe sparire, macchiarsi e rovinarsi e così può succedere parte esterna.

La maggior parte del pentolame in rame che si trova oggi in commercio, è dotato di uno strato antiaderente per renderlo più confortevole all’utilizzo di ogni giorno. Il rame antico aveva, come detto, l’interno stagnato oppure, nel caso delle forme per i dolci o certi tipi di pane, assolutamente niente, in quanto la farina di mais e l’acqua, a contatto con il rame non creano ossidazione.

Il peso del pentolame in rame è una caratteristica che lo rende unico: potrà anche risultare scomodo oggi, dove le cucine moderne non prevedono grandi spazi per utensili da appendere, ma in una cucina rustica o in un ambiente antico, sono proprio questi utensili a regalare l’atmosfera di casa, in primo piano su uno sfondo di pietra o legno.

Soprattutto, il vantaggio di una pentola in rame oltre alla favolosa cottura, è la sua immortalità. Botte, ammaccature, stagnatura che va via per il lungo utilizzo: il rame non teme niente di tutto questo poiché bastano una nuova stagnatura, una lucidatura e l’uso di un martellino di legno per rimetterlo in piedi e renderlo come nuovo. Per questo il rame è un perfetto conduttore anche storico: si tramandano ricette, usi e segreti così come si tramandano le stesse pentole, per generazioni. Il suo unico nemico è l’altissima temperatura, la cui soglia massima per evitare che il rame si ammorbidisca è di 250°C. Ma in generale il rame non viene utilizzato per cotture, sul fuoco o al forno, che prevedono questo picco di calore. E la pulizia? I nostri pezzi sono tutti del 1800 e ne hanno passati di fuochi e mestolate! Eppure sono ancora perfetti: il segreto di una buona lucidatura è un po’ di sale e limone, parola di nonna.

Se volete cimentarvi nella cucina con il rame, nella nostra sezione trovate una ampia selezione di rame antico, dalle forme per dolci oggi introvabili, con decorazioni uniche e folkloristiche, ai paioli e mestoli per riscoprire la cottura collettiva.

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I reliquiari a ostensorio sono tipici dell’età Medievale e il loro nome deriva dalla forma molto simile a quella dell’ostensorio eucaristico. Nella Storia dei Reliquiari si legge:

I primi reliquiari erano molto semplici, costituiti da cassette di legno o da riproduzioni di chiese e prendevano il nome di scrigno. Tra le prime reliquie vi furono quelle costituite dai corpi dei martiri delle persecuzioni dei primi secoli: essi venivano obbligatoriamente sepolti nei cimiteri o nelle catacombe, nel caso di Roma, perché secondo la legge romana non si potevano tenere i corpi dei defunti dentro il perimetro delle città. A volte parti della salma venivano asportate e conservate in altri luoghi. Un grande impulso si ebbe dopo l’Editto di Milano con il quale Costantino autorizzò il Cristianesimo: si permise la sepoltura di santi, martiri e altro nelle chiese. Reliquie della croce sulla quale era morto Gesù Cristo divennero molto comuni dal IX secolo ed erano contenute in reliquiari a forma di croce. Dal X secolo cominciarono ad apparire reliquiari aventi la forma esterna del tipo di reliquia in essi contenuta, quindi a forma di mano, teschio, braccio ed altre parti del corpo umano. In epoca gotica si viene determinando una tipologia molto simile all’ostensorio e si sviluppa il reliquiario in forme architettoniche.

I reliquiari a ostensorio sono tipicamente esposti sull’altare per mostrare la reliquia all’interno e possono essere portati in processione, sollevati verso l’alto per permettere ai fedeli di vedere l’oggetto venerato.

La nostra coppia di reliquiari a ostensorio, proveniente da Napoli e datati prima metà del 1700, presenta due singoli elementi molto simili tra loro, riccamente decorati come da tradizione, in argento sbalzato montato su legno. Per le schede prodotto cliccare QUI e QUI

L'articolo Di sacro e antico: il reliquiario a ostensorio proviene da La Bottega Margutta.

Accessorio immancabile in una cucina russa, il samovar ha quasi certamente origini europee anche se ne ritroviamo tracce antiche in Turchia: probabilmente l’origine del samovar russo è rintracciabile in un primo modello olandese introdotto in Russia da Pietro il Grande, che con l’Olanda, all’epoca, aveva moltissimi affari e piaceri da gestire.

Presto migliorato rispetto a quel primo, curioso e stupefacente oggetto importato al seguito dello zar, il samovar divenne il simbolo della cucina russa, padrone incontrastato del tavolo o anche della stanza intera, nel caso dei samovar da pavimento, decisamente grandi e utili anche come riscaldamento.
La famiglia amava riunirsi intorno a questo grande bollitore e prendere il tè in un rito comune a moltissimi popoli che, anche in Russia, univa tutte le classi sociali. Il samovar era così presente che divenne ovviamente anche un simbolo dell’agiatezza dei suoi possessori: dall’ottone al rame, i più diffusi, fino a preziosi samovar interamente in argento o addirittura in oro, ricchi di intarsi, sezioni in porcellana, legni pregiati o pietre preziose. I più costosi mai fatti sono certamente quelli di Fabergé, il notissimo orafo russo, per pochissimi privilegiati.

Oggi il samovar ha perso molto del suo valore sociale e storico, non è più il simbolo di un momento collettivo, intimo, tra amici e famiglia. Gli antichi samovar sono diventati oggetti da collezione, sostituiti dai più comodi modelli elettrici, che non riescono però a sostituire il piacere grandissimo della preparazione e della cura necessari alla messa in opera di un vero e proprio rituale. Ivan Aleksandrovič Gončarov, quel brillante autore che ha dato alle stampe la storia dell’uomo più pigro della storia, Oblomov, scriveva nel suo libro Fregata Pallada dedicato alle memorie in mare: “Saprai cosa significa una tazza di tè quando, di ritorno da un gelo pungente con trenta gradi sotto zero, entrerai in una stanza calda e ti siederai accanto al samovar per saggiare la dignità del tè”.

Praticamente impossibile addentrarsi nella letteratura russa senza trovare un riferimento al samovar, al tè e alla comunione intorno a questo grande bollitore che spesso ospitava in cima porcellane orientali o europee. Curioso infatti come in Russia, il culto del tè sia arrivato tardi, nel 1600 circa, introdotto proprio dalla Cina insieme agli accessori tradizionali necessari alla preparazione e al servizio. Eppure, prima del tè, ai tempi del leggendario Regno di Rus’, esisteva lo sbiten’, una beanda a base di miele ed erbe medicinali che però, di fronte all’ingresso del tè, non ha retto il confronto: così i russi ne hanno fatto un simbolo di orgoglio e distinzione, tanto da far diventare la loro versione nazionale famosa in tutto il mondo, sebbene per molti sia davvero troppo forte (tè nero e foglie di menta in infusione a creare un elisir potentissimo e soprattutto bollente).

Il samovar presentato in queste immagini appartiene alla nostra selezione antiquaria, è stato acquisito in Inghilterra e si può acquistare qui.

L'articolo Il samovar: gesti di altri tempi proviene da La Bottega Margutta.

Aveva dalla sua la discendenza in una famiglia di appasionati artisti: suo padre era Johann Heindrich Roos e lo introdusse in qualità di allievo, fin dalla tenera età, a paesaggi e vedute barocche diffuse nella Germania del diciassettesimo secolo. Di tutti i fratelli Roos, Philipp Peter fu il più famoso e fortunato, grazie alla sua capacità di rendere al meglio i pastorali, soggetti prediletti da tutta la famiglia. Nel 1677, grazie a una sovvenzione del Langraviato di Hesse-Kassel, arrivò in Italia. Da Bologna si spostò a Roma dove quasi immediatamente entrò a far parte della Schildersbent, i cui componenti si facevano chiamare Bentvueghels: una associazione di pittori fiamminghi e olandesi che si era formata a Roma tra il 1620 e il 1720. Tra i Bentvueghels, Philipp Peter prese il soprannome di Mercurio, in riferimento alla sua dote di rapidità nel creare un’opera.

A Roma fu allievo dal maestro Giacinto Brandi, figura di rilievo del Barocco romano insieme a grandi nomi come Pietro da Cortona o Carlo Maratti. La frequentazione con il Brandi lo portò a conoscere la figlia Maria Isabella, di cui si innamorò. Un amore grande e felice, che gli fece abbandonare il luteranesimo per la conversione al cattolicesimo, in modo da sposare Maria Isabella nel 1681. La sua fortunata vita proseguì nella capitale con l’ingresso nella confraternita religiosa di artisti chiamata Congregazione dei Virtuosi al Pantheon, tutt’oggi esistente. Nel 1684, Roos e la moglie si spostarono a Tivoli e fu proprio qui che prese il soprannome di Rosa da (o di) Tivoli. Passò il resto della sua vita dipingendo soprattutto paesaggi campestri, figure di animali da fattoria e domestici, su cui compì lunghi studi e figure di pastorelli o paesani dalla tipica apparenza laziale.

Le opere di Roos sono conservate in numerosi musei, da Berlino a Firenze a Stoccarda. Disponibile nella Bottega olio su tela attribuito a Philipp Peter Roos, secolo XVII con cornice dorata coeva.

L'articolo La scene campestri di Rosa da Tivoli proviene da La Bottega Margutta.

E’ proprio con delicate, caratteristiche miniature che Rosalba inizia a farsi un nome nell’ambiente artistico della Venezia del 1700, diventando una delle presenze note tra artisti italiani e stranieri, nobili e diplomatici, fino a crearsi un seguito di prestigiosi ammiratori. Federico Augusto II le dedicò un intero spazio nella sua residenza di Dresda, chiamato Gabinetto di Rosalba, dove si poteva ammirare la più larga collezione delle sue opere. Il nome di Rosalba e la sua espressione artistica così femminile e raffinata, viaggiarono nei salotti e a corte ma, soprattutto, ottenne un riconoscimento inedito per un’artista femminile in quel periodo storico. Fu nominata all’Accademia di Bologna, di Roma e di Parigi e i suoi lavori, soprattutto i ritratti a cui si dedicò fino al termine della sua vita, conobbero un vastissimo apprezzamento in tutta Europa.
Un bell’approfondimento su Rosalba Carriera si può leggere nello studio “Young Lady with a Parrot” di Bernardina Sani in Art Institute of Chicago Museum Studies, vol. 17, 1991.

Ritratto di Flora, II metà del 1700. Tempera, con cornice ovale in legno dorato. Attribuito a Rosalba Carriera. Disponibile sullo shop.

L'articolo Ritratto di Flora. Rosalba Carriera proviene da La Bottega Margutta.

Figlio indesiderato, viene abbandonato a un anno nella Napoli del 1852 presso l’Annunziata, istituto di accoglienza per i trovatelli che diventerà tragicamente noto per le condizioni dei bambini alla fine del 1800. Adottato da Giuseppa Baratta e dall’imbianchino francese Giuseppe Bes, sfugge a un triste destino presso l’istituto, vive tra i ricami della madre e i lavori del padre, che si intende anche di commercio. Quando questi muore, dopo anni di vita dissoluta, uomo arido e rude, Vincenzo si ritrova a soli sei anni a fare lavoretti saltuari per le strade di Napoli per aiutare l’affettuosa madre Giuseppa. Le seconde nozze con un artigiano muratore, Francesco Jadicicco, migliorano le condizioni di vita della famiglia e presto Vincenzo approccia la scultura divenendo l’apprendista di Stanislao Lista. Lo scultore introduce il ragazzo alle basi dell’arte, ma Vincenzo crescerà, come uomo e scultore, da autodidatta nelle strade di Napoli, guadagnandosi una nomea che ne identificherà gli orizzonti, così differenti da quelli comuni, esplorati durante la sua vita: Vincenzo ‘o scultore pazzo.

Dietro l’immortale sguardo e l’espressione severa del Filosofo, si nascondono le fattezze del secondo padre, amatissimo, Francesco Jadicicco. Da adulti, i due uomini con la folta barba, lo sguardo serio, la fronte aggrottata, si somigliavano talmente tanto che nei tratti del Filosofo è possibile vedervi anche lo stesso Gemito, in un autoritratto profondamente intimo.
Il legame della Bottega Margutta con Vincenzo Gemito risale ai tempi di Giuseppe Pepe, capostipite della tradizione antiquaria di famiglia, amico e ammiratore di Vincenzo.

Il Filosofo, scultura in bronzo firmata da Vincenzo Gemito, Italia fine 1800. Disponibile sullo shop.

L'articolo Il Filosofo, Vincenzo Gemito. L’opera. proviene da La Bottega Margutta.