Meissonier ebbe una vita segnata dalla Rivoluzione Francese, dove partecipò come soldato e visse episodi e battaglie crudeli. Provò a riportare le orribili sensazioni di quelle esperienze sulla tela, con oli e acquerelli, guadagnandosi da una parte la critica feroce di chi lo considerava un artista dedito alla messa in scena teatrale e macabra della morte, nei suoi dettagli più cruenti e inutili, dall’altra trovando un apprezzamento genuino soprattutto tra artisti suoi pari e grandi nomi contemporanei europei.

Oggi è conosciuto come uno dei pittori napoleonici più rappresentativi dei temi di guerra, eppure fu più di questo: fu allievo di Léon Cogniet, Prix de Rome, che lo stimolò a viaggiare per l’Europa e acquisire punti di vista e tecniche diverse. Fu uno dei primissimi artisti a sperimentare in Francia il miniaturismo a olio, finendo per diventare un prediletto nelle collezioni private di molti mecenati. Fu illustratore di pregio e dipinse moltissime opere soffermandosi sul realismo dei temi, dettagliando in maniera incredibile i suoi quadri che raggiungevano livelli tecnici altissimi.

A Meissonier, lo scultore e artista napoletano Vincenzo Gemito, l’anima tormentata di cui abbiamo raccontato qui la vita, amico della prima generazione della famiglia Pepe che poi fonderà la Bottega Margutta, dedicò una scultura in bronzo alta 63 cm con base in marmo. Gemito ritrae il pittore nell’atto di posare il colore dalla tavolozza a una immaginaria tela: i due uomini avevano un percorso in comune, quello solitario che a lungo li ha portati a distaccarsi dalle convenzioni sociali in favore di una espressione artistica e di vita più sincera, seppur più complicata e difficile.

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Dopo una esperienza nella Prima Guerra mondiale che lo forma come giovane uomo nel Carso, e che lo vede partecipare alla sconfitta di Caporetto, Giacomo Vittone non rinuncia, come molti prima di lui, all’arte come medicina e linguaggio. L’annientamento che spesso si porta dentro chi ha vissuto l’esperienza della guerra, Vittone lo sconfigge proseguendo un percorso di sperimentazione e studio iniziato già nei primissimi anni del secolo presso lo studio dei fratelli Gatti a Torino. Con la fine della Prima Guerra mondiale però, è necessario seguire anche dei percorsi lavorativi e finisce così per lavorare in banca, sposandosi poi in Istria alla fine degli anni Venti.

Il matrimonio lo porta a trasferirsi in quella che sarà la culla del suo benessere mentale e artistico, la piccola e pittoresca Riva del Garda. Vi è a poca distanza, però, qualcosa che si incide profondamente nel suo spirito: è un luogo abbandonato dove la Seconda Guerra mondiale riesce a non arrivare. Si tratta di Canale di Tenno, un luogo di cui il torinese si innamora e che condivide nelle sue espressioni artistiche con la sua Riva, dove con pazienza e il sostegno degli artisti locali nonché della comunità, istituisce il museo civico con annessa biblioteca, uno sforzo personale compensato da grandi successi e dalla nascita di un ambiente culturale locale che ancora oggi trova stimolo nel suo ricordo e nella sua guida spirituale. A lui oggi vengono ancora dedicati libri, saggi, mostre alla memoria, a dimostrazione che ciò di cui spesso una comunità ha bisogno, è la vera e concreta azione culturale, la gioia della condivisione e la spinta ad andare sempre oltre i confini territoriali, buttandosi nei campi delle grandi espressioni, come l’arte.

Durante gli anni Sessanta, Vittone compie un viaggio al contrario, scendendo dal Trentino nel Lazio, dove si trasferisce a Ostia per questioni legate alla famiglia. Qui inizia una fase della sua vita artistica che lo vede più frenetico e spinto verso tentativi ed evoluzioni di temi e materiali, sempre con un occhio puntato però verso l’Espressionismo più puro.

Vittone è noto e quotato oggi per le sue opere caratteristiche e particolari: gran parte della sua produzione consiste di basi uniche, come cartoni o fogli di giornale, ricchi di colore, scorci di una comunità o di un paesaggio, di vita quotidiana o di stanze, elementi urbani, oggetti di vita.

Oggi a Canale di Tenno, non più abbandonato, esiste la Fondazione Giacomo Vittone, che raccoglie e mette in mostra le opere dell’artista e utilizza i suoi lasciti per contribuire al tessuto spirituale e artistico locale. Giacomo Vittone è morto quasi centenario a Ostia, lasciando un grande numero di opere che oggi è diviso tra la Fondazione e il museo civico cittadino e le collezioni dei privati, amatori o investitori che è possibile trovare alle aste dove ogni tanto viene battuta una sua opera.

La Bottega Margutta ha una discreta collezione di opere relative al secondo periodo, quello Laziale, di Giacomo Vittone disponibili nello shop

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Abbiamo ammirato, a un sospiro di distanza tra noi e la tela, dei Grandi: da Guttuso a Francis Bacon, da Tiziano a Rousseau, incorniciati dalle sale e dai soffitti di un ex palazzo vescovile la cui cura e dettagli prestigiosi, contribuiscono a trasportarci nel passato, in un altro livello di magnificenza e sensazioni artistiche.

Chiuso per lungo tempo, in una posizione panoramica che sovrasta parte del paese di Sutri, in provincia di Viterbo, Palazzo Doebbing vale la passeggiata di circa un’ora e mezza da Roma e meno di un’ora da Viterbo. Un ingresso con giardino, dove già si ammirano dei bronzi, permette di guardare un panorama ampio, limpidissimo nella giornata della nostra visita. Ammiriamo il verde e i tetti sotto di noi, ammiriamo in lontananza le torri di un castello nei pressi di un lago, ammiriamo la torre che ci sovrasta e allunga la sua ombra, protettiva e accogliente, verso il piccolo prato dove sostiamo.

Palazzo Doebbing ha grosse mura spesse, porzioni di tradizionale tufo a vista, pavimenti di antichissimi mattoni in cotto. I soffitti sono alti e scopriremo che ogni stanza ha il proprio: diverso, importante, a volte con la stratificazione del tempo mantenuta a vista. Ci sentiamo come visitatori privilegiati di spazi dove non è affatto difficile immaginare tonache scure e passi felpati, bisbigli, luci dell’alba che schiariscono le tante sale dei tre piani, luminosissimi, su cui si sviluppa l’esposizione attuale.

Dall’aprile 2019 al gennaio 2020, è possibile passeggiare per Palazzo Doebbing ammirando, senza nessuna teca protettiva o cordone di separazione, senza nessun filtro, senza nessun ostacolo spaziale, le tele e le opere di artisti il cui nome fa sognare.

Durante la nostra visita, siamo solo noi e queste opere, noi e nessun altro: una coppia di turisti tedeschi compare ogni tanto incrociando i nostri percorsi, ammutoliti dalla possibilità di portare gli occhi talmente vicini al queste meraviglie, da ammirarne le singole pennellate, vedervi addirittura una setola rimasta incastrata in un verde meraviglioso. Loro e noi siamo senza parole per questo annullamento spazio-temporale che ci permette di respirare la tela alla stessa distanza in cui lo fecero gli artisti.

All’ingresso ci accoglie (in esposizione permanente), unico elemento protetto in una teca, l’antichissimo Efebo di Sutri, scoperto per caso in un terreno durante degli scavi agricoli. Un mistero che vivrà per sempre, questo bellissimo Efebo davvero ben conservato: ripescato dalla terra a testa in giù, abbandonato in mezzo al niente, dove le indagini degli archeologi non hanno trovato segno di vita. Forse un esemplare caduto durante un viaggio, una refurtiva nascosta, uno scherzo dimenticato?

La scelta, dopo aver ringraziato l’Efebo per il suo benvenuto, è quella di salire o scendere. Se scendiamo, arriviamo subito alle cantine che ospitano una mostra di fotografia contemporanea molto emozionante e visivamente notevole. Sono i tritratti degli ultracentenari di un paesino della Sardegna, volti nitidisissimi su sfondi ben delineati e che raccontano il background di storie individuali che, nell’atmosfera semibuia e più fredda della cantina, si vivono sulla pelle, così vicine e grandi ai nostri occhi. Possiamo ammirare su grandi pannelli i dettagli delle fotografie, con tutta calma: il silenzio, le luci basse, l’atmosfera chiusa e fresca della cantina, ci regalano dei momenti di apprezzatissima solitudine, confortante. Anche i nostri pensieri, così come le foto di Carlos Solito e di questa mostra, intitolata A Chent’annos (A Cent’anni in logudorese), sono limpidi e fermi.

Torniamo su: se l’anticipo della mostra, le fotografie di Solito, ci danno un’idea di ciò che vedremo, abbiamo già i brividi di gioia.
Ci accolgono subito le tele, enormi e dai colori meravigliosi, di Luca Crocicchi, tele davanti a cui si ha l’impressione di entrare completamente: sono sentieri e spazi in cui domina il verde smeraldo, leggermente offuscato come se guardassimo la scena di un sogno. I colori chiari sono pastello, ma quel verde che fa da filo conduttore in queste tele, o che almeno a noi semplici amatori e non critici, sembra farci da guida in uno scorcio dopo l’altro… è vibrante e vivo, ed è bellissimo stare fermi lì davanti e immaginare di esserci in mezzo.

Ci accorgiamo da subito che le sale di Palazzo Doebbing sono generose: i portoni e i soffitti ci hanno subito fatto innamorare, non sappiamo dove guardare e abbiamo voglia di muoverci e di spostarci da una sala all’altra, contemporaneamente, di guardare fuori il panorama dalle luminose finestre, di guardare da vicino i bronzi di Ernesto Lamagna, il cui impatto è doloroso; scatena in noi la morbosità verso l’aspetto più oscuro della realtà e dell’arte.

Vedremo a bocca aperta la grandezza, non solo letterale, di due opere pregiatissime: L’Immacolata, di Scipione Pulzone (1581), e L’Estasi di San Francesco di Tiziano (1561), dai colori e dalla potenza ancora esplosivi. Non si può commentare granché davanti a opere di questo livello, perché il peso della Storia e il valore culturale di quest’arte, sono una eredità che parla da sola al posto nostro.
Come per dare respiro al visitatore, le sale del palazzo con il loro silenzio e l’ampiezza, mostrano timidamente dettagli architettonici su cui si fa una pausa: un grande camino coperto, fregi alle pareti, affreschi decorativi discreti.

La nostra visita solitaria continua, davanti alla serie di autoritratti di Fausto Pirandello. Di lui ancora non sappiamo niente, ma prendiamo disarmati quello che le sue opere trasmettono: il suo volto cambia, cambiano i colori, cambiano le emozioni. Pirandello sembra essere un uomo (e forse anche un artista) abbastanza tormentato, in bilico tra il rimpianto di una serenità che si nota in alcuni autoritratti puliti, sereni e giovanili, e la cupezza e la depressione che lo vedono ritrarsi con espressioni stravolte, stanche, abbattute. Salta subito all’occhio la delicatezza del tratto ma soprattutto il contrasto con ciò che viene rappresentato: i volti di Pirandello sono una esperienza da viversi in silenzio, un po’ impacciati, un po’ mortificati del non saper cogliere tutta la storia che vi è nascosta dietro.

Molto più corposi in termini di angoli e colori, i quadri di Ottone Rosai, che ci raccontano anche qui una storia di emozioni contrastanti. Cioè che Rosai ci trasmette è la sensazione di avere davanti una pittura aggressiva, decisa, piena di idee: vediamo opere dove ci sono figure e linee ben marcate ma i colori non sono vibranti, sono pesanti, a volte si inseguono nelle tonalità più scure. Anche qui ci domandiamo che storia, certamente un po’ tormentata, abbia dietro questo pittore che qui conosciamo per la prima volta.

Ligabue e Guttuso invece, non hanno nessun bisogno di presentazione e se già conosciamo le loro opere e il loro modo di fare arte, ne restiamo comunque impressionati, come se avessimo davanti loro stessi in persona. Tanta è la soggezione che queste opere ci trasmettono, semplicemente esposte lì, in una parete grandissima, illuminate dal sole, pezzi di visioni e osservazioni e pensieri di due tra i più grandi artisti del Novecento.

Perla tra le perle, l’esposizione di opere di Francis Bacon, introdotta da un commento audiovisivo dove si raccontano retroscena della vita dell’artista e del suo modo di fare arte: l’impatto è notevole, bello, l’espressione su tela intrigante, misteriosa, capace di creare confusione e stordire, grazie a questi volti che ci sono e non ci sono e a questi colori di sfondo che travolgono fin da lontano.

Infine, la parte che più abbiamo trovato bella, coinvolgente, splendida, seppur tutto il percorso fino a questo momento è stato una meraviglia, da godersi attimo per attimo. Le tele di Henri Rousseau, i colori accesi, frenetici, la ricchezza dei dettagli, le scene dinamiche, le espressioni di vite e di cieli che strillano decisi in una delle sale più grandi, su al terzo piano.
Qui, ciò che ci resta più impresso, è un dipinto di Ligabue: siamo a pochi centimetri da una tigre che si agita selvaggiamente morsa da una tarantola e siamo totalmente coinvolti in questa visione, quasi sconcertati dal dolore che la posizione del corpo e i colori di questo animale ferito ci trasmettono.

Non possiamo che uscire allibiti e davvero contenti, soddisfatti e assolutamente entusiasti di questa mattinata. Palazzo Doebbing è bellissimo, le opere che ospita sono state, in un modo molto intimo, tutte per noi: un regalo che ci fa sentire dei privilegiati. Questo, proprio questo sentirsi ricchi e appagati e speciali, è ciò che l’arte dovrebbe trasmettere a ognuno di noi. Critico o amatore, conoscitore o ignorante in materia, giovane o vecchio: l’arte che arricchisce e nutre lo spirito è proprio questa, proprio qui, a un dito di distanza tra la tela e l’occhio.

Le immagini dell’articolo sono tutte prese dal sito web ufficiale di Palazzo Doebbing

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La notte del 18 marzo 1990, degli uomini si introdussero nel museo, immobilizzando le guardie. Per oltre un’ora, si aggirarono indisturbati ma frenetici per i saloni della struttura, puntando 13 opere d’arte che furono, orrore tra gli orrori, strappate dalle cornici ospitanti con dei taglierini: tele approssimativamente ritagliate via e destinate probabilmente al mercato nero per il piacere di qualche collezionista senza scrupoli, magari addirittura un committente del furto, capace di godere di opere preziose rovinate in maniera atroce e destinate infine solo al suo singolo piacere.

Il valore della refurtiva si aggira intorno ai 500 milioni di dollari, una cifra incredibile per un danno ancora più incalcolabile, che ha visto il patrimonio pubblico privato di opere uniche di Degas, Manet, Vermeer, Rembrandt van Rijn, Flinck… mentre ancora oggi resta di dieci milioni di dollari la ricompensa messa a disposizione dal Museo per qualsiasi informazione che porti a una diretta risoluzione del caso. Informazione che non è mai arrivata e che ha trascinato nel corso degli ultimi trenta anni, questo mistero che ha tutta l’aria del diabolico piano di un giallo vecchia scuola.

Un furto con testimoni ma senza nessuna traccia, indagini che hanno coinvolto i gradi più alti dell’ FBI e autorità del mondo dell’arte, una intera mappa di connessioni e sospetti, da un Oceano all’altro, ladri e mercanti d’arte, collezionisti, informatori, ma nessun indizio e nessun risultato.

Restano le cornici vuote ancora appese nel Gardner, lì dove un tempo vibravano alcune delle tele più belle tra le eredità dei loro autori: solo la tecnologia ha potuto dare una mano e un gruppo di giovani è riuscito a rimettere al loro posto, con la realtà aumentata, i quadri rubati grazie a una app che ironicamente si chiama Hacking The Heist. Puntando il telefonino contro le tele vuote, si può vedere il quadro completo. Semplice ma dal retrogusto malinconico.

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Assolutamente da vedere è la Fortezza di Civitella del Tronto, un luogo unico che ritroviamo come attrativa nella lista dei Borghi più Belli d’Italia. La Fortezza, così come la cittadina di Civitella, non si sono piegate agli eventi del 2016, la serie di terremoti che hanno scosso l’Abruzzo. D’altra parte, la Fortezza è una delle opere di ingegneria militare più spettacolari sul suolo italiano e ha resistito a secoli di aggressioni e battaglie, guadagnandosi il titolo di ultima roccaforte del regno borbonico ad arrendersi a Vittorio Emanuele II nel 1861. Oggi tutta l’intera struttura che conta 25.000 mq è completamente visitabile, per la gioia di grandi e piccoli: attraverso diversi camminamenti si possono ripercorrere i passi di vescovi, soldati e cittadini che fin dall’anno Mille hanno sostato nella Fortezza, che offre una spettacolare vista. C’è anche un bel Museo delle Armi, che ha anche una ricca selezione di mappe storiche.

A Palazzo Reale a Milano, fino a gennaio 2020, è possibile ammirare una mostra su Giorgio De Chirico le cui opere sono state raccolte, per l’occasione, da importanti musei sparsi per il mondo. Una immersione totale nella Metafisica del grande maestro del XX° secolo che si dirama per ben otto sale ma che offre al pubblico anche le incursioni di De Chirico nelle altre grandi correnti del suo tempo. Una personalità davvero complessa, curiosa, temeraria, poco incline al compromesso: De Chirico fu l’uomo criptico, l’appassionato del dio Apollo, il permaloso avventuriero del surrealismo, un artista che visse un sogno in stato di veglia e fu capace di testimoniarlo concretamente nelle sue tele. Sicuramente, egli è una eredità storica da conoscere e ammirare in questa occasione unica: l’ultima personale completa di De Chirico risale al 1970. Si tratta quindi di un evento culturale di rara portata, qualcosa di cui essere testimoni.

A poco più di un’ora di auto dai più conosciuti siti di Roma, è possibile immergersi in una nuova realtà artistica e culturale fortemente voluta dal primo cittadino di Sutri, seimila abitanti in provincia di Viterbo. Lui è Vittorio Sgarbi e una sue prime innovazioni è stata quella di riaprire al pubblico il bellissimo Palazzo Doebbing, ex sede vescovile e oggi museo che accoglie, tra sotterranei e piani alti del tredicesimo secolo, esposizioni temporanee che ogni sei mesi rinnovano gli spazi tra contemporaneo e antico. Dall’arte a tema sacro del Tiziano all’opera più colorata e solida di Guttuso, agli scenari tropicali di Rousseau, passando per Ligabue e Pirandello, fino alle esposizioni di fotografia moderna dedicate al volto degli ultracentenari sardi, con uno sguardo sulle opere di Francis Bacon; questo, incredibilmente, è ciò che fino a gennaio 2020 offre il Palazzo, le cui sale offrono anche una cornice architettonica di indubbia bellezza a cui va dedicato uno sguardo speciale per i soffitti, meravigliosi. Da tenere d’occhio per tutti i nuovi stimoli che dimostrano quanto la provincia italiana sia destinata a supportare, in un ruolo di primo piano, la cultura italiana, grazie alla volontà di chi non accetta più che i nostri tesori siano accantonati. Da segnalare anche le iniziative nell’Auditorium e il piccolo, delizioso giardino labirintico, poco distante, di Villa Savorelli.

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Kitsch è un termine tedesco apparso nella seconda metà dell’Ottocento in riferimento alla pratica del vendere una imitazione piuttosto che un oggetto autentico, pratica diffusa nei mercatini popolari. Con il tempo e l’uso sempre più diffuso del termine, kitsch finì per diventare sinonimo di robaccia, allargando il suo significato a tutti i campi della produzione, sia artistica che letteraria o musicale. Si trattava di una indicazione di falsi valori estetici, di uno sfruttamento della copia di un originale, copia a cui manca tutto il background autentico che ne crea nell’altro, invece, il vero valore. Ecco quindi come delle copie prodotte con tecnica industriale e serializzate di un oggetto indicativo, caratteristico, pregno di significato culturale e folcloristico, diventano un oggetto Kitsch: decontestualizzate, infinite, usate per scopi lontani dall’originale e prettamente estetici (un carretto siciliano in miniatura venduto alla bancarella dei ricordi turistici, per esempio). Oggi, parlando di Kitsch in riferimento alla cultura popolare e ai media, troviamo un filone ricchissimo e longevo di programmi che decontestualizzano autentiche emozioni per ricrearle sotto i riflettori, vendendo al pubblico la pura estetica dell’emozione, sfruttandone storie e derive sentimentali che normalmente sono originate da percorsi molto intimi e privati.

Uno dei problemi che rende il Kitsch una corrente negativa e poco amata da critici e storici dell’arte, è che implicitamente la riproduzione seriale di pezzi autentici, ne abbassa il valore oltre che annientarne i significati storici e culturali. Una riproduzione su legno dei dettagli della Cappella Sistina venduta nei grandi centri commerciali nel reparto delle decorazioni d’arredo, equivale a una costante erosione del sentimento di grandezza e unicità che in realtà l’autentico e unico capolavoro della Cappella Sistina rappresenta. In definitiva è come se attraverso il Kitch nell’arte, nella cultura mediatica, nella musica, si desensibilizzasse lo spettatore, portando a un appiattimento generale del gusto e della comprensione singolare di ogni espressione artistica.

Questo, come anticipato, fu per Clement Greenberg uno dei motivi che spinse i grandi dittatori del secolo scorso a prediligere il Kitsch alle avanguardie. A proposito della nostra esperienza italiana e del rapporto tra il regime di Mussolini e il Kitsch, egli scrisse:

“Per anni egli ebbe un atteggiamento benevolo nei confronti dei Futuristi e fece costruire stazioni ferroviarie e condomini d’avanguardia. Nella periferia di Roma, alla fine degli anni Trenta, si vedeva un numero di condomini d’avanguardia maggiore che in ogni altra città del mondo. Forse il fascismo voleva esibire la propria modernità per nascondere il fatto che rappresentava invece un regresso; forse intendeva conformarsi ai gusti di quella élite del denaro ai cui i servizi si era posto. In ogni caso sembra che Mussolini abbia infine compreso che sarebbe stato più utile per lui adeguarsi ai gusti culturali delle masse italiane, piuttosto che a quelli dei loro padroni. […] Vediamo così che Mussolini annuncia un nuovo stile imperiale. Marinetti, De Chirico e gli altri, sono messi in ombra e la nuova stazione ferroviaria di Roma non sarà d’avanguardia.”

Guardando indietro ai percorsi dell’arte e della società, possiamo vedere come nei periodi post Ottocenteschi caratterizzati da grande benessere, ci siano state esplosioni di Kitsch legate a un aumento della produzione industriale di beni e lussi di consumo. Dallo stile Neogotico agli anni del Déco, così come gli anni Cinquanta e gli anni Ottanta con lo stile post-moderno. A questo proposito un altro grande intellettuale e critico del calibro di Abraham Moles, segnala come sia possibile dividere secondo un parametro kitsch l’arco di tempo che dalla seconda metà del 1800 arriva fino ai giorni nostri. Si tratta di due fasi ben distinte:

La prima fase è legata allo sviluppo della società borghese e alla produzione industriale in crescendo nella comunità.
La seconda fase si caratterizza dall’apertura delle masse al consumismo che crea la necessità attraverso una abitudine al possesso, di produrre grandi quantità di oggetti non primari, lussi di poco valore, da ammirare ma di scarsa qualità e quindi durata.

Nel prossimo appuntamento parleremo degli studi lunghi una vita che Gillo Dorfles ha dedicato al fenomeno del Kitsch.

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Biografie di artisti che hanno fatto la storia dell’umanità, espressioni visive di dolori, gioie ed emozioni che hanno portato alla nascita di opere incredibili o ancora, i racconti di ciò che artista e società hanno superato, combattendo insieme o come avversari: il cinema è il mezzo più potente di cui noi, pubblico privilegiato, possiamo servirci per conoscere, approfondire e scoprire le meraviglie dell’arte.

Ecco una lista di quattro titoli immancabili per ogni cinefilo che vuole nutrire il proprio amore per arte, storia, cinema e bellezza.

Brama di Vivere è un film del 1956 che mette in scena la vita di Vincent Van Gogh nell’interpretazione di un allora divo di Hollywood per eccellenza, Kirk Douglas, la cui interpretazione di Van Gogh è decisamente notevole. Girato da Vincente Minnelli si basa sul libro omonimo di Irving Stone. Attraverso una fedele ricostruzione della vita del pittore, ripercorriamo le tappe che hanno segnato l’uomo tra tormento e ascesa, attraverso scelte registiche peculiari dell’epoca d’oro degli anni hollywoodiani, scelte che valsero al film premi e nomination prestigiose agli Oscar e ai Golden Globe. Tra gli attori, mostri sacri del cinema come Anthony Quinn nei panni di Paul Gauguin. Il produttore della pellicola, John Hauseman, coltivò il progetto di questo film per quasi dieci anni.

I Colori della Passione, del 2011, è un’opera complessa e di rara bellezza sensoriale, che risponde a una esigenza del regista ben precisa: quella di immergere lo spettatore in una realtà su più livelli attraverso il racconto di un dipinto. Una meta-opera il cui protagonista è Pieter Bruegel, maestro fiammingo del 1500. Nella pellicola, il pittore dipinge uno dei suoi quadri più famosi, La Salita Al Calvario: lo spettatore guarda il maestro Bruegel, il maestro guarda la sua tela. La tela è viva e si riempie di personaggi a cui il pittore attinge per la sua ispirazione. Il mugnaio, i giovinetti del villaggio, i pastori: li osserva nella loro vita reale, sprazzi di realtà che vengono fissati per sempre su una tela tridimensionale man mano che le vite si intrecciano e le storie si svolgono sotto gli occhi dello spettatore. Un’opera affascinante del regista polacco Lech Majewski che è stata proiettata nelle gallerie, nei musei e nei siti d’arte più prestigiosi del mondo, prima di approdare infine, per un brevissimo istante, nei cinema.

Andrei Rublev, del 1966, è un film difficilissimo da affrontare, una prova ardua che il regista, l’immenso Andrej Tarkovskij, posiziona sapientemente al centro del percorso di costruzione culturale di cinefili e amanti dell’arte. Non solo, si tratta di un ritratto crudo e senza sconti di un passato, quello della Russia del quindicesimo secolo, che fa da sfondo all’arte del maestro indiscusso, ieri come oggi, dell’icona russa. Andrei Rublev vive una vita dura, fatta di violenza, brutture dell’animo umano e fede, moltissima fede. Questa la visione di Tarkovskij, che per raccontare le opere preziosissime e immortali di Rublev, può basarsi solo sulla storiografia del tempo ma non su biografie dell’artista. Non ne esiste nessuna. Rublev ha attraversato i secoli rendendosi immortale attraverso le sue icone, diventando un santo della Chiesa Ortodossa e dando vita a una rappresentazione di fede come mai al mondo si è visto. Il nocciolo della pellicola, oltre a mostrare al mondo chi fu Andrei Rublev, è soprattutto l’indagine degli effetti dell’arte in un contesto devastante, in grado di annientare qualsiasi sensibilità in un animo debole. L’arte di Rublev ha influito, durante e dopo, nell’evoluzione della società russa e nel dialogo dell’uomo con Dio?

Arca Russa del 2002, è la pellicola di un altro pilastro del cinema russo e mondiale, Aleksadr Sokurov, il cui splendore sconfina dall’immagine per infiltrarsi nell’appagamento estetico di chi guarda. Primo aspetto notevole della pellicola è la tecnica registica, un unico piano sequenza senza nessuno stacco, un unico lunghissimo respiro che dura un’ora e trentanove minuti. La cinepresa accompagna due uomini che attraversano i magnifici saloni del Palazzo d’Inverno a San Pietroburgo: di uno non conosceremo mai l’identità, dell’altro sappiamo che è un marchese francese del 1800. Egli è l’accompagnatore arguto che mostra i favolosi interni e le opere d’arte del Palazzo d’Inverno allo sconosciuto visitatore, noi probabilmente, dialogando di arte, politica, guerra, amore, mentre personaggi effimeri del passato e del presente si muovono per i corridoio e le sale da ballo. Sokurov mescola storia, arte e politica guidando lo spettatore passo passo verso domande che a volte rimangono senza risposta, mentre la mente registra, con il fiato sospeso, l’incredibile bellezza sospesa nel tempo del contesto. Il finale del film non delude, un risvolto fantastico per un film che sembra davvero un’esperienza onirica in stato di veglia.

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Un amore condito da violenza e morte tra la bellissima Salammbô, figlia (inventata) dell’imperatore cartaginese Amilcare Barca, e il mercenario libico, invasore e nemico Mâtho. Sullo sfondo, la terribile Guerra dei Mercenari che mise in ginocchio Cartagine. Salammbô è una sacerdotessa vergine di Tanith ma cede il suo corpo all’amato mercenario, stravolgendo così un intero mondo. Nel romanzo di Flaubert c’è una grande ricchezza: di arte, di sentimenti, di erotismo e di storia. Si cammina insieme ai protagonisti pagina dopo pagina in un impero d’Oriente fatto di ori, lusso, spazi immensi, decori, bellezza, emozioni selvagge e tanta, tanta guerra, politica e storia.

Mucha nella sua rappresentazione di Salammbô, potrebbe aver perfettamente centrato lo stato d’animo che Flaubert ha più volte descritto nelle sue corrispondenze con l’editore o gli amici più cari, uno stato d’animo e una visione di insieme che sperava di donare agli occhi del lettore. Mucha ha forse rappresentato davvero fedelmente la Salammbô del romanzo con una certa estetica fiera, elegantissima, altera, sacra ma decisamente delicata e fragile. Un altro dipinto omonimo che la rappresenta, quello del francese Gaston Bussiere, la rappresenta invece in una luce più erotica e maliziosa, nuda e indifesa ma con una segreta malizia intravista nella posa

Salammbô, Alfons Mucha, 1896

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“Ci ho messo tutta la diligenza e l’amore di cui sono capace” scriveva nelle sue memorie a proposito di questo monumentale lavoro, posizionato nel 1452 e ammirato grandemente da Michelangelo che lanciò appunto il nome di “Porte del Paradiso“.

Nel corso dei secoli, le Porte del Paradiso hanno affrontato numerosi disastri, dalle alluvioni al vandalismo al più recente inquinamento. Nel 1990, smontate per ristrutturazione, ci si è accorti che l’umidità e l’inquinamento stavano creando un irreversibile problema ai bronzi, colpiti terribilmente nell’alluvione del 1996 che ne ha smontato cinque pannelli dalle cornici originali. Ripresi dai restauratori, la porta è pian piano tornata all’incredibile splendore originale. La porta Nord del Battistero, sempre opera del Ghiberti, gli fu assegnata dopo una competizione che assegnava la commissione del lavoro al vincitore. Il Ghiberti vinse contro il Brunelleschi e creò una porta a pannelli che raffigurava scene del Nuovo Testamento. Il lavoro fu così apprezzato che questa porta est gli fu assegnata senza competizione.

La porta attualmente esposta al pubblico al Battistero è una copia fedelissima di quella del Ghiberti. Per preservare l’originale dalle intemperie, si è scelto di conservare ed esporre i pannelli quattrocenteschi nel vicino Museo del Duomo.

La Porta del Paradiso, Lorenzo Ghiberti, porta est del Battistero di Firenze.

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Lucrezia, fresca di voti in un convento carmelitano, posò per vari dipinti del Lippi, tra cui uno intitolato La Vergine e il Bambino. Questo fu possibile perché il Lippi stesso era un prete gesuita, incaricato per le sue grandi abilità di pittore e sensibilità artistica, di affrescare e dipingere al di fuori del proprio monastero. Durante i lavori dell’opera sulla Vergine e il Bambino, i due religiosi si innamorarono, intrecciando una relazione sessuale che non rimase segreta a lungo, anche per volontà del Lippi stesso di vivere la sua vita nonostante imposizioni e doveri.

Dopo lunghi anni di scandalo alla luce del sole, i due furono benedetti dalla potentissima famiglia Medici, la cui intercessione nella seconda metà del 1400, permise a Lucrezia di lasciare il convento e stabilirsi nella casa fiorentina del Lippi. Non si sposarono mai e dall’unione nacquero due figli: il figlio maschio, Filippo, detto Filippino, fu anch’egli un famoso pittore.

Amore o dovere (Love or Duty), 1873, Gabriele Castagnola

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