Con il termine Wunderkammern si indicavano originariamente delle stanze, piccole o grandi, dedicate all’esposizione di una collezione particolare, ma con il tempo e l’evolversi della società, degli usi e dei costumi, oggi la Wunderkammer indica anche solo una zona espositiva, quale può essere una libreria, una teca o un tavolo in una stanza.

Nasceva, questo gabinetto delle meraviglie, per esporre quelle collezioni personali che, inizialmente dedite esclusivamente al mondo della natura, tra botanica e zoologia, nelle sue espressioni più strane, curiose, uniche e assurde, pian piano si allargarono fino a comprendere oggetti particolari legati sia al mondo della natura, come libri antichi o edizioni curiose sull’erboristeria, statuette di pietra, osso o avorio, minerali, sia ai nuovi mondi della scienza.

L’intero fascino di una Wunderkammer sta soprattutto nell’unicità del tipo di collezione che si raccoglie: oggi non c’è limite per la definizione di una Wunderkammer, che non si lega più solo ai naturalia, ma esplora anche gli artificialia alla ricerca di qualcosa di bizzarro, eccentrico, unico e davvero interessante.

Avete mai pensato di creare una vostra Wunderkammer? Oggi la ricerca di pezzi da collezione è più intrigante e semplice che mai, grazie al mercato globale che ci permette di compiere ricerche da una parte all’altra del mondo. Una conchiglia erosa del Mar Nero, un serpente velenoso sotto formaldeide, una leggendaria Rosa di Gerico da mettere sotto vetro, un frammento di meteorite nero come la notte o la moneta trovata con un metal detector nelle spiagge della Normandia, fino a ricerche ed esposizioni di oggetti estremi, a volte macabri, più spesso spettacolari.

Tutto ciò che ha un profondo valore e significato, tutto ciò che ha una storia unica e si discosta dall’ordinario, merita di finire nelle Wunderkammern.

L’espressione di noi stessi e dei nostri interessi, trova nella Wunderkammer un meraviglioso percorso da compiere: mai, come nella costruzione di questo piccolo angolo delle meraviglie, è la ricerca affrontata durante il viaggio e non l’ottenimento dell’oggetto desiderato, ad essere davvero importante.

Nel nostro e-commerce potete dare il via alla vostra Wunderkammer con alcune curiosità e bizzarrie del passato.

Una teca con un pesce imbalsamato, un pezzo inglese risalente alla fine del 1800 (visita la scheda prodotto)

Una teca gemella della prima, ma con un pesce e misure differenti (visita la scheda prodotto)

Una piccola scatolina in osso destinata alla conservazione degli aghi da cucito, fatta a mano con grande pazienza in Alta Savoia alla fine del 1800 (visita la scheda prodotto)

Una piccola collezione di miniature in osso, fissate in una cornice di bronzo: firmate dall’artista che vi disegnò le Donne, R. Holbe, provengono dalla Germania del 1800 (visita la scheda prodotto)

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La notte del 18 marzo 1990, degli uomini si introdussero nel museo, immobilizzando le guardie. Per oltre un’ora, si aggirarono indisturbati ma frenetici per i saloni della struttura, puntando 13 opere d’arte che furono, orrore tra gli orrori, strappate dalle cornici ospitanti con dei taglierini: tele approssimativamente ritagliate via e destinate probabilmente al mercato nero per il piacere di qualche collezionista senza scrupoli, magari addirittura un committente del furto, capace di godere di opere preziose rovinate in maniera atroce e destinate infine solo al suo singolo piacere.

Il valore della refurtiva si aggira intorno ai 500 milioni di dollari, una cifra incredibile per un danno ancora più incalcolabile, che ha visto il patrimonio pubblico privato di opere uniche di Degas, Manet, Vermeer, Rembrandt van Rijn, Flinck… mentre ancora oggi resta di dieci milioni di dollari la ricompensa messa a disposizione dal Museo per qualsiasi informazione che porti a una diretta risoluzione del caso. Informazione che non è mai arrivata e che ha trascinato nel corso degli ultimi trenta anni, questo mistero che ha tutta l’aria del diabolico piano di un giallo vecchia scuola.

Un furto con testimoni ma senza nessuna traccia, indagini che hanno coinvolto i gradi più alti dell’ FBI e autorità del mondo dell’arte, una intera mappa di connessioni e sospetti, da un Oceano all’altro, ladri e mercanti d’arte, collezionisti, informatori, ma nessun indizio e nessun risultato.

Restano le cornici vuote ancora appese nel Gardner, lì dove un tempo vibravano alcune delle tele più belle tra le eredità dei loro autori: solo la tecnologia ha potuto dare una mano e un gruppo di giovani è riuscito a rimettere al loro posto, con la realtà aumentata, i quadri rubati grazie a una app che ironicamente si chiama Hacking The Heist. Puntando il telefonino contro le tele vuote, si può vedere il quadro completo. Semplice ma dal retrogusto malinconico.

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Kitsch è un termine tedesco apparso nella seconda metà dell’Ottocento in riferimento alla pratica del vendere una imitazione piuttosto che un oggetto autentico, pratica diffusa nei mercatini popolari. Con il tempo e l’uso sempre più diffuso del termine, kitsch finì per diventare sinonimo di robaccia, allargando il suo significato a tutti i campi della produzione, sia artistica che letteraria o musicale. Si trattava di una indicazione di falsi valori estetici, di uno sfruttamento della copia di un originale, copia a cui manca tutto il background autentico che ne crea nell’altro, invece, il vero valore. Ecco quindi come delle copie prodotte con tecnica industriale e serializzate di un oggetto indicativo, caratteristico, pregno di significato culturale e folcloristico, diventano un oggetto Kitsch: decontestualizzate, infinite, usate per scopi lontani dall’originale e prettamente estetici (un carretto siciliano in miniatura venduto alla bancarella dei ricordi turistici, per esempio). Oggi, parlando di Kitsch in riferimento alla cultura popolare e ai media, troviamo un filone ricchissimo e longevo di programmi che decontestualizzano autentiche emozioni per ricrearle sotto i riflettori, vendendo al pubblico la pura estetica dell’emozione, sfruttandone storie e derive sentimentali che normalmente sono originate da percorsi molto intimi e privati.

Uno dei problemi che rende il Kitsch una corrente negativa e poco amata da critici e storici dell’arte, è che implicitamente la riproduzione seriale di pezzi autentici, ne abbassa il valore oltre che annientarne i significati storici e culturali. Una riproduzione su legno dei dettagli della Cappella Sistina venduta nei grandi centri commerciali nel reparto delle decorazioni d’arredo, equivale a una costante erosione del sentimento di grandezza e unicità che in realtà l’autentico e unico capolavoro della Cappella Sistina rappresenta. In definitiva è come se attraverso il Kitch nell’arte, nella cultura mediatica, nella musica, si desensibilizzasse lo spettatore, portando a un appiattimento generale del gusto e della comprensione singolare di ogni espressione artistica.

Questo, come anticipato, fu per Clement Greenberg uno dei motivi che spinse i grandi dittatori del secolo scorso a prediligere il Kitsch alle avanguardie. A proposito della nostra esperienza italiana e del rapporto tra il regime di Mussolini e il Kitsch, egli scrisse:

“Per anni egli ebbe un atteggiamento benevolo nei confronti dei Futuristi e fece costruire stazioni ferroviarie e condomini d’avanguardia. Nella periferia di Roma, alla fine degli anni Trenta, si vedeva un numero di condomini d’avanguardia maggiore che in ogni altra città del mondo. Forse il fascismo voleva esibire la propria modernità per nascondere il fatto che rappresentava invece un regresso; forse intendeva conformarsi ai gusti di quella élite del denaro ai cui i servizi si era posto. In ogni caso sembra che Mussolini abbia infine compreso che sarebbe stato più utile per lui adeguarsi ai gusti culturali delle masse italiane, piuttosto che a quelli dei loro padroni. […] Vediamo così che Mussolini annuncia un nuovo stile imperiale. Marinetti, De Chirico e gli altri, sono messi in ombra e la nuova stazione ferroviaria di Roma non sarà d’avanguardia.”

Guardando indietro ai percorsi dell’arte e della società, possiamo vedere come nei periodi post Ottocenteschi caratterizzati da grande benessere, ci siano state esplosioni di Kitsch legate a un aumento della produzione industriale di beni e lussi di consumo. Dallo stile Neogotico agli anni del Déco, così come gli anni Cinquanta e gli anni Ottanta con lo stile post-moderno. A questo proposito un altro grande intellettuale e critico del calibro di Abraham Moles, segnala come sia possibile dividere secondo un parametro kitsch l’arco di tempo che dalla seconda metà del 1800 arriva fino ai giorni nostri. Si tratta di due fasi ben distinte:

La prima fase è legata allo sviluppo della società borghese e alla produzione industriale in crescendo nella comunità.
La seconda fase si caratterizza dall’apertura delle masse al consumismo che crea la necessità attraverso una abitudine al possesso, di produrre grandi quantità di oggetti non primari, lussi di poco valore, da ammirare ma di scarsa qualità e quindi durata.

Nel prossimo appuntamento parleremo degli studi lunghi una vita che Gillo Dorfles ha dedicato al fenomeno del Kitsch.

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Biografie di artisti che hanno fatto la storia dell’umanità, espressioni visive di dolori, gioie ed emozioni che hanno portato alla nascita di opere incredibili o ancora, i racconti di ciò che artista e società hanno superato, combattendo insieme o come avversari: il cinema è il mezzo più potente di cui noi, pubblico privilegiato, possiamo servirci per conoscere, approfondire e scoprire le meraviglie dell’arte.

Ecco una lista di quattro titoli immancabili per ogni cinefilo che vuole nutrire il proprio amore per arte, storia, cinema e bellezza.

Brama di Vivere è un film del 1956 che mette in scena la vita di Vincent Van Gogh nell’interpretazione di un allora divo di Hollywood per eccellenza, Kirk Douglas, la cui interpretazione di Van Gogh è decisamente notevole. Girato da Vincente Minnelli si basa sul libro omonimo di Irving Stone. Attraverso una fedele ricostruzione della vita del pittore, ripercorriamo le tappe che hanno segnato l’uomo tra tormento e ascesa, attraverso scelte registiche peculiari dell’epoca d’oro degli anni hollywoodiani, scelte che valsero al film premi e nomination prestigiose agli Oscar e ai Golden Globe. Tra gli attori, mostri sacri del cinema come Anthony Quinn nei panni di Paul Gauguin. Il produttore della pellicola, John Hauseman, coltivò il progetto di questo film per quasi dieci anni.

I Colori della Passione, del 2011, è un’opera complessa e di rara bellezza sensoriale, che risponde a una esigenza del regista ben precisa: quella di immergere lo spettatore in una realtà su più livelli attraverso il racconto di un dipinto. Una meta-opera il cui protagonista è Pieter Bruegel, maestro fiammingo del 1500. Nella pellicola, il pittore dipinge uno dei suoi quadri più famosi, La Salita Al Calvario: lo spettatore guarda il maestro Bruegel, il maestro guarda la sua tela. La tela è viva e si riempie di personaggi a cui il pittore attinge per la sua ispirazione. Il mugnaio, i giovinetti del villaggio, i pastori: li osserva nella loro vita reale, sprazzi di realtà che vengono fissati per sempre su una tela tridimensionale man mano che le vite si intrecciano e le storie si svolgono sotto gli occhi dello spettatore. Un’opera affascinante del regista polacco Lech Majewski che è stata proiettata nelle gallerie, nei musei e nei siti d’arte più prestigiosi del mondo, prima di approdare infine, per un brevissimo istante, nei cinema.

Andrei Rublev, del 1966, è un film difficilissimo da affrontare, una prova ardua che il regista, l’immenso Andrej Tarkovskij, posiziona sapientemente al centro del percorso di costruzione culturale di cinefili e amanti dell’arte. Non solo, si tratta di un ritratto crudo e senza sconti di un passato, quello della Russia del quindicesimo secolo, che fa da sfondo all’arte del maestro indiscusso, ieri come oggi, dell’icona russa. Andrei Rublev vive una vita dura, fatta di violenza, brutture dell’animo umano e fede, moltissima fede. Questa la visione di Tarkovskij, che per raccontare le opere preziosissime e immortali di Rublev, può basarsi solo sulla storiografia del tempo ma non su biografie dell’artista. Non ne esiste nessuna. Rublev ha attraversato i secoli rendendosi immortale attraverso le sue icone, diventando un santo della Chiesa Ortodossa e dando vita a una rappresentazione di fede come mai al mondo si è visto. Il nocciolo della pellicola, oltre a mostrare al mondo chi fu Andrei Rublev, è soprattutto l’indagine degli effetti dell’arte in un contesto devastante, in grado di annientare qualsiasi sensibilità in un animo debole. L’arte di Rublev ha influito, durante e dopo, nell’evoluzione della società russa e nel dialogo dell’uomo con Dio?

Arca Russa del 2002, è la pellicola di un altro pilastro del cinema russo e mondiale, Aleksadr Sokurov, il cui splendore sconfina dall’immagine per infiltrarsi nell’appagamento estetico di chi guarda. Primo aspetto notevole della pellicola è la tecnica registica, un unico piano sequenza senza nessuno stacco, un unico lunghissimo respiro che dura un’ora e trentanove minuti. La cinepresa accompagna due uomini che attraversano i magnifici saloni del Palazzo d’Inverno a San Pietroburgo: di uno non conosceremo mai l’identità, dell’altro sappiamo che è un marchese francese del 1800. Egli è l’accompagnatore arguto che mostra i favolosi interni e le opere d’arte del Palazzo d’Inverno allo sconosciuto visitatore, noi probabilmente, dialogando di arte, politica, guerra, amore, mentre personaggi effimeri del passato e del presente si muovono per i corridoio e le sale da ballo. Sokurov mescola storia, arte e politica guidando lo spettatore passo passo verso domande che a volte rimangono senza risposta, mentre la mente registra, con il fiato sospeso, l’incredibile bellezza sospesa nel tempo del contesto. Il finale del film non delude, un risvolto fantastico per un film che sembra davvero un’esperienza onirica in stato di veglia.

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Grazie a una squisita capacità artistica, a un gusto unico e a una brillante mente proiettata al marketing, Chippendale decide di diffondere qualcosa che mai si era visto prima: il suo catalogo di mobili. Un progetto unico nel suo genere e dalle finalità innovative: con «The Gentleman and Cabinet-Maker’s Director», Thomas Chippendale per la prima volta offre una visione globale della sua arte, delle sue capacità e delle scelte possibili da costruire e avere, direttamente ai clienti (prima inglesi e, con le edizioni seguenti, in tutta Europa e America).

Ma Chippendale non si ferma qui: la sua idea di marketing si espande comprendendo nel catalogo una scelta non solo dedicata alla classe facoltosa inglese, ma anche a chi, con mezzi molto più limitati, dalla provincia alla città, desidera possedere un mobile unico. Concentrando la produzione in laboratorio, l’ebanista si dedica a unire nel suo caratteristico equilibrio raffinato ed eccentrico, caratteri gotici, orientali o rococò, dando vita a un modello di commercio del mobile che cambierà per sempre le cose. Il catalogo «The Gentleman and Cabinet-Maker’s Director» è dunque una testimonianza contestualizzata sotto vari aspetti dell’importanza del mobile inglese dal Settecento in poi, del successo di una sperimentazione commerciale e della storia di un uomo diventato una vera e propria leggenda.

Il libro è ricco di disegni e caratteristiche delle idee di Chippendale, tramandati identici edizione dopo edizione. Un ottimo volume per conoscere questo stile immortale, dai grandi elementi alle famosissime sedie, direttamente dalla mano del suo creatore.

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“Ci ho messo tutta la diligenza e l’amore di cui sono capace” scriveva nelle sue memorie a proposito di questo monumentale lavoro, posizionato nel 1452 e ammirato grandemente da Michelangelo che lanciò appunto il nome di “Porte del Paradiso“.

Nel corso dei secoli, le Porte del Paradiso hanno affrontato numerosi disastri, dalle alluvioni al vandalismo al più recente inquinamento. Nel 1990, smontate per ristrutturazione, ci si è accorti che l’umidità e l’inquinamento stavano creando un irreversibile problema ai bronzi, colpiti terribilmente nell’alluvione del 1996 che ne ha smontato cinque pannelli dalle cornici originali. Ripresi dai restauratori, la porta è pian piano tornata all’incredibile splendore originale. La porta Nord del Battistero, sempre opera del Ghiberti, gli fu assegnata dopo una competizione che assegnava la commissione del lavoro al vincitore. Il Ghiberti vinse contro il Brunelleschi e creò una porta a pannelli che raffigurava scene del Nuovo Testamento. Il lavoro fu così apprezzato che questa porta est gli fu assegnata senza competizione.

La porta attualmente esposta al pubblico al Battistero è una copia fedelissima di quella del Ghiberti. Per preservare l’originale dalle intemperie, si è scelto di conservare ed esporre i pannelli quattrocenteschi nel vicino Museo del Duomo.

La Porta del Paradiso, Lorenzo Ghiberti, porta est del Battistero di Firenze.

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Lucrezia, fresca di voti in un convento carmelitano, posò per vari dipinti del Lippi, tra cui uno intitolato La Vergine e il Bambino. Questo fu possibile perché il Lippi stesso era un prete gesuita, incaricato per le sue grandi abilità di pittore e sensibilità artistica, di affrescare e dipingere al di fuori del proprio monastero. Durante i lavori dell’opera sulla Vergine e il Bambino, i due religiosi si innamorarono, intrecciando una relazione sessuale che non rimase segreta a lungo, anche per volontà del Lippi stesso di vivere la sua vita nonostante imposizioni e doveri.

Dopo lunghi anni di scandalo alla luce del sole, i due furono benedetti dalla potentissima famiglia Medici, la cui intercessione nella seconda metà del 1400, permise a Lucrezia di lasciare il convento e stabilirsi nella casa fiorentina del Lippi. Non si sposarono mai e dall’unione nacquero due figli: il figlio maschio, Filippo, detto Filippino, fu anch’egli un famoso pittore.

Amore o dovere (Love or Duty), 1873, Gabriele Castagnola

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Quest’opera raffigura una scena dell’Orlando Furioso: Ruggiero in groppa a un ippogrifo, tenta di uccidere l’orca e liberare una terrorizzata Angelica. I versi corrispondenti nell’opera poetica si trovano nelle ottave 100 – 110, in cui si legge il culmine dello scontro, che vede Ruggiero in enorme difficoltà e che lo costringerà a un cambio di tattica contro la possente orca:

Tenea Ruggier la lancia non in resta,
ma sopra mano, e percoteva l’orca.
Altro non so che s’assimigli a questa,
ch’una gran massa che s’aggiri e torca;
né forma ha d’animal, se non la testa,
c’ha gli occhi e i denti fuor, come di porca.
Ruggier in fronte la ferìa tra gli occhi;
ma par che un ferro o un duro sasso tocchi.

Ruggiero che libera Angelica, Jean Auguste Dominique Ingres, 1819

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Questo olio su tela chiamato “My Wife’s Lovers” è stato commissionato nel 1861 al pittore austriaco Carl Kahler (1855–1906) dalla miliardaria americana Kate Birdsall Johnson, personalità eccentrica e anche raffinatissima gattara. Ritrae i suoi quarantadue amici in un’opera che, terminata nel 1893, nel 2015 è stata battuta all’asta per una cifra da togliere il fiato: 826.000 dollari. Durante l’asta, che partiva da una stima di 200.000 verso un massimo di 300.000 dollari, una piccola guerra di offerte ha fatto raggiungere in due minuti netti la cifra già record di 600.000 dollari circa. L’ultima offerta di 826.000 l’ha conclusa un anonimo acquirente che ha dichiarato di volere il quadro in ricordo della madre, morta a 91 anni, molto affezionata a una stampa di quest’opera che il figlio le aveva regalato molti anni prima.

My Wife’s Lovers, olio su tela, 1861 – Di Carl Kahler (1855-1906)

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Cresciuto in una società in totale estasi per il Neoclassicismo, decide di esprimersi controcorrente, con opere dai colori carichi, atmosfere romantiche e spesso misteriose, ambientazioni scure, spesso vaghe. La Vienna che conta, cioè quella dell’Accademia dove forma la sua istruzione, lo boccia completamente definendolo un artista senza talento: allo stesso tempo colleghi pittori e collezionisti non lo degnano nemmeno di uno sguardo. L’Accademia, in fondo, ha parlato. Makart non batte ciglio e continua a perfezionare il suo stile unico che pian piano, dopo vagabondaggi in tutta Europa, inizia ad attirare l’attenzione. Arriva così il momento della dolce vendetta: l’aristocrazia e la famiglia reale lo adorano, gli viene regalato un atelier favoloso, il suo nome brilla su quello degli artisti che contano e… finisce per diventare professore all’Accademia di Vienna. Sarà in lui che Klimt troverà una direzione per la sua splendida arte.

Ritratto di Karoline Gomperz, 1870, olio su tela

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