Meissonier ebbe una vita segnata dalla Rivoluzione Francese, dove partecipò come soldato e visse episodi e battaglie crudeli. Provò a riportare le orribili sensazioni di quelle esperienze sulla tela, con oli e acquerelli, guadagnandosi da una parte la critica feroce di chi lo considerava un artista dedito alla messa in scena teatrale e macabra della morte, nei suoi dettagli più cruenti e inutili, dall’altra trovando un apprezzamento genuino soprattutto tra artisti suoi pari e grandi nomi contemporanei europei.

Oggi è conosciuto come uno dei pittori napoleonici più rappresentativi dei temi di guerra, eppure fu più di questo: fu allievo di Léon Cogniet, Prix de Rome, che lo stimolò a viaggiare per l’Europa e acquisire punti di vista e tecniche diverse. Fu uno dei primissimi artisti a sperimentare in Francia il miniaturismo a olio, finendo per diventare un prediletto nelle collezioni private di molti mecenati. Fu illustratore di pregio e dipinse moltissime opere soffermandosi sul realismo dei temi, dettagliando in maniera incredibile i suoi quadri che raggiungevano livelli tecnici altissimi.

A Meissonier, lo scultore e artista napoletano Vincenzo Gemito, l’anima tormentata di cui abbiamo raccontato qui la vita, amico della prima generazione della famiglia Pepe che poi fonderà la Bottega Margutta, dedicò una scultura in bronzo alta 63 cm con base in marmo. Gemito ritrae il pittore nell’atto di posare il colore dalla tavolozza a una immaginaria tela: i due uomini avevano un percorso in comune, quello solitario che a lungo li ha portati a distaccarsi dalle convenzioni sociali in favore di una espressione artistica e di vita più sincera, seppur più complicata e difficile.

Clicca qui per visitare la scheda prodotto di Ernest Meissonier a figura intera, Vincenzo Gemito, seconda metà del 1800

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In cucina oggi il rame è relegato a un utilizzo di nicchia, principalmente per due motivi: il costo del pentolame e la gestione di cui necessita. Le nostre nonne, che non erano di certo spaventate dal lavoro manuale, dedicavano una giornata alla settimana per lucidare tutte le stoviglie. Oggi deleghiamo questo compito alla lavastoviglie e ai suoi prodotti, ma il rame non è adatto per questo tipo di pulizia: lo stagno inserito all’interno che fa da barriera tra gli alimenti e il rame, potrebbe sparire, macchiarsi e rovinarsi e così può succedere parte esterna.

La maggior parte del pentolame in rame che si trova oggi in commercio, è dotato di uno strato antiaderente per renderlo più confortevole all’utilizzo di ogni giorno. Il rame antico aveva, come detto, l’interno stagnato oppure, nel caso delle forme per i dolci o certi tipi di pane, assolutamente niente, in quanto la farina di mais e l’acqua, a contatto con il rame non creano ossidazione.

Il peso del pentolame in rame è una caratteristica che lo rende unico: potrà anche risultare scomodo oggi, dove le cucine moderne non prevedono grandi spazi per utensili da appendere, ma in una cucina rustica o in un ambiente antico, sono proprio questi utensili a regalare l’atmosfera di casa, in primo piano su uno sfondo di pietra o legno.

Soprattutto, il vantaggio di una pentola in rame oltre alla favolosa cottura, è la sua immortalità. Botte, ammaccature, stagnatura che va via per il lungo utilizzo: il rame non teme niente di tutto questo poiché bastano una nuova stagnatura, una lucidatura e l’uso di un martellino di legno per rimetterlo in piedi e renderlo come nuovo. Per questo il rame è un perfetto conduttore anche storico: si tramandano ricette, usi e segreti così come si tramandano le stesse pentole, per generazioni. Il suo unico nemico è l’altissima temperatura, la cui soglia massima per evitare che il rame si ammorbidisca è di 250°C. Ma in generale il rame non viene utilizzato per cotture, sul fuoco o al forno, che prevedono questo picco di calore. E la pulizia? I nostri pezzi sono tutti del 1800 e ne hanno passati di fuochi e mestolate! Eppure sono ancora perfetti: il segreto di una buona lucidatura è un po’ di sale e limone, parola di nonna.

Se volete cimentarvi nella cucina con il rame, nella nostra sezione trovate una ampia selezione di rame antico, dalle forme per dolci oggi introvabili, con decorazioni uniche e folkloristiche, ai paioli e mestoli per riscoprire la cottura collettiva.

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Un amore condito da violenza e morte tra la bellissima Salammbô, figlia (inventata) dell’imperatore cartaginese Amilcare Barca, e il mercenario libico, invasore e nemico Mâtho. Sullo sfondo, la terribile Guerra dei Mercenari che mise in ginocchio Cartagine. Salammbô è una sacerdotessa vergine di Tanith ma cede il suo corpo all’amato mercenario, stravolgendo così un intero mondo. Nel romanzo di Flaubert c’è una grande ricchezza: di arte, di sentimenti, di erotismo e di storia. Si cammina insieme ai protagonisti pagina dopo pagina in un impero d’Oriente fatto di ori, lusso, spazi immensi, decori, bellezza, emozioni selvagge e tanta, tanta guerra, politica e storia.

Mucha nella sua rappresentazione di Salammbô, potrebbe aver perfettamente centrato lo stato d’animo che Flaubert ha più volte descritto nelle sue corrispondenze con l’editore o gli amici più cari, uno stato d’animo e una visione di insieme che sperava di donare agli occhi del lettore. Mucha ha forse rappresentato davvero fedelmente la Salammbô del romanzo con una certa estetica fiera, elegantissima, altera, sacra ma decisamente delicata e fragile. Un altro dipinto omonimo che la rappresenta, quello del francese Gaston Bussiere, la rappresenta invece in una luce più erotica e maliziosa, nuda e indifesa ma con una segreta malizia intravista nella posa

Salammbô, Alfons Mucha, 1896

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Lucrezia, fresca di voti in un convento carmelitano, posò per vari dipinti del Lippi, tra cui uno intitolato La Vergine e il Bambino. Questo fu possibile perché il Lippi stesso era un prete gesuita, incaricato per le sue grandi abilità di pittore e sensibilità artistica, di affrescare e dipingere al di fuori del proprio monastero. Durante i lavori dell’opera sulla Vergine e il Bambino, i due religiosi si innamorarono, intrecciando una relazione sessuale che non rimase segreta a lungo, anche per volontà del Lippi stesso di vivere la sua vita nonostante imposizioni e doveri.

Dopo lunghi anni di scandalo alla luce del sole, i due furono benedetti dalla potentissima famiglia Medici, la cui intercessione nella seconda metà del 1400, permise a Lucrezia di lasciare il convento e stabilirsi nella casa fiorentina del Lippi. Non si sposarono mai e dall’unione nacquero due figli: il figlio maschio, Filippo, detto Filippino, fu anch’egli un famoso pittore.

Amore o dovere (Love or Duty), 1873, Gabriele Castagnola

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Quest’opera raffigura una scena dell’Orlando Furioso: Ruggiero in groppa a un ippogrifo, tenta di uccidere l’orca e liberare una terrorizzata Angelica. I versi corrispondenti nell’opera poetica si trovano nelle ottave 100 – 110, in cui si legge il culmine dello scontro, che vede Ruggiero in enorme difficoltà e che lo costringerà a un cambio di tattica contro la possente orca:

Tenea Ruggier la lancia non in resta,
ma sopra mano, e percoteva l’orca.
Altro non so che s’assimigli a questa,
ch’una gran massa che s’aggiri e torca;
né forma ha d’animal, se non la testa,
c’ha gli occhi e i denti fuor, come di porca.
Ruggier in fronte la ferìa tra gli occhi;
ma par che un ferro o un duro sasso tocchi.

Ruggiero che libera Angelica, Jean Auguste Dominique Ingres, 1819

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Questo olio su tela chiamato “My Wife’s Lovers” è stato commissionato nel 1861 al pittore austriaco Carl Kahler (1855–1906) dalla miliardaria americana Kate Birdsall Johnson, personalità eccentrica e anche raffinatissima gattara. Ritrae i suoi quarantadue amici in un’opera che, terminata nel 1893, nel 2015 è stata battuta all’asta per una cifra da togliere il fiato: 826.000 dollari. Durante l’asta, che partiva da una stima di 200.000 verso un massimo di 300.000 dollari, una piccola guerra di offerte ha fatto raggiungere in due minuti netti la cifra già record di 600.000 dollari circa. L’ultima offerta di 826.000 l’ha conclusa un anonimo acquirente che ha dichiarato di volere il quadro in ricordo della madre, morta a 91 anni, molto affezionata a una stampa di quest’opera che il figlio le aveva regalato molti anni prima.

My Wife’s Lovers, olio su tela, 1861 – Di Carl Kahler (1855-1906)

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Cresciuto in una società in totale estasi per il Neoclassicismo, decide di esprimersi controcorrente, con opere dai colori carichi, atmosfere romantiche e spesso misteriose, ambientazioni scure, spesso vaghe. La Vienna che conta, cioè quella dell’Accademia dove forma la sua istruzione, lo boccia completamente definendolo un artista senza talento: allo stesso tempo colleghi pittori e collezionisti non lo degnano nemmeno di uno sguardo. L’Accademia, in fondo, ha parlato. Makart non batte ciglio e continua a perfezionare il suo stile unico che pian piano, dopo vagabondaggi in tutta Europa, inizia ad attirare l’attenzione. Arriva così il momento della dolce vendetta: l’aristocrazia e la famiglia reale lo adorano, gli viene regalato un atelier favoloso, il suo nome brilla su quello degli artisti che contano e… finisce per diventare professore all’Accademia di Vienna. Sarà in lui che Klimt troverà una direzione per la sua splendida arte.

Ritratto di Karoline Gomperz, 1870, olio su tela

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Stiamo guardando il momento più malinconico di una storia tragica, quella tra la principessa Hellelil e la sua guardia del corpo Hildebrand. L’amore sbocciato tra i due giovani è ostacolato dal padre di lei: i due si amano in clandestinità, rubando momenti e carezze negli angoli segreti del palazzo finché il padre di Hellelil ordina ai suoi sette figli maschi di uccidere Hildebrand. Il giovane si difende e ne uccide sei, prima che la sua amata Hellelil implori la grazia per il fratello più piccolo.

Lui china la testa e accetta, ma l’onore è, nelle antiche ballate da cui anche questa storia è tratta, un elemento importante nelle vite dei protagonisti. Tanto importante che Hildebrand si toglie la vita per donarla al giovane avversario e rendere l’onore alla sua amata, che però sena di lui non può sopravvivere: muore anche lei. L’attimo dipinto da Burton è l’ultimo incontro tra i due giovani, un attimo di dolorosa consapevolezza: Hellelil rifiuta ciò che sta per avvenire, Hildebrand la trattiene in un gesto carico di passione, ma la rinuncia è nell’aria e li divide, in una lotta straziante tra il desiderio di essere uniti e la consapevolezza che tutto, invece, sta per finire.

The Meeting on the Turret Stairs (Hellelil and Hildebrand), 1864
Incontro sulle scale della torre, 1864, di Frederic William Burton (1816 – 1900)

Su Hellelil e Hildebrand e sulla loro tragica storia, non esiste un vero e proprio testo. Una antica ballata celtica che ne canta le vicissitudini, tramandata oralmente, fu riportata per iscritto con varie modifiche dal poeta William Morris in una poesia chiamata Earl Brand. Il testo di questa poesia è quello a cui si è ispirato Burton per il dipinto. Nel tempo si sono riunite molte ballate medievali in un unico testo inglese del 1800, chiamato Child Ballads. Qui vi appare la versione “originale” della storia usata da Morris per la sua poesia.

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Figlio indesiderato, viene abbandonato a un anno nella Napoli del 1852 presso l’Annunziata, istituto di accoglienza per i trovatelli che diventerà tragicamente noto per le condizioni dei bambini alla fine del 1800. Adottato da Giuseppa Baratta e dall’imbianchino francese Giuseppe Bes, sfugge a un triste destino presso l’istituto, vive tra i ricami della madre e i lavori del padre, che si intende anche di commercio. Quando questi muore, dopo anni di vita dissoluta, uomo arido e rude, Vincenzo si ritrova a soli sei anni a fare lavoretti saltuari per le strade di Napoli per aiutare l’affettuosa madre Giuseppa. Le seconde nozze con un artigiano muratore, Francesco Jadicicco, migliorano le condizioni di vita della famiglia e presto Vincenzo approccia la scultura divenendo l’apprendista di Stanislao Lista. Lo scultore introduce il ragazzo alle basi dell’arte, ma Vincenzo crescerà, come uomo e scultore, da autodidatta nelle strade di Napoli, guadagnandosi una nomea che ne identificherà gli orizzonti, così differenti da quelli comuni, esplorati durante la sua vita: Vincenzo ‘o scultore pazzo.

Dietro l’immortale sguardo e l’espressione severa del Filosofo, si nascondono le fattezze del secondo padre, amatissimo, Francesco Jadicicco. Da adulti, i due uomini con la folta barba, lo sguardo serio, la fronte aggrottata, si somigliavano talmente tanto che nei tratti del Filosofo è possibile vedervi anche lo stesso Gemito, in un autoritratto profondamente intimo.
Il legame della Bottega Margutta con Vincenzo Gemito risale ai tempi di Giuseppe Pepe, capostipite della tradizione antiquaria di famiglia, amico e ammiratore di Vincenzo.

Il Filosofo, scultura in bronzo firmata da Vincenzo Gemito, Italia fine 1800. Disponibile sullo shop.

L'articolo Il Filosofo, Vincenzo Gemito. L’opera. proviene da La Bottega Margutta.