Meissonier ebbe una vita segnata dalla Rivoluzione Francese, dove partecipò come soldato e visse episodi e battaglie crudeli. Provò a riportare le orribili sensazioni di quelle esperienze sulla tela, con oli e acquerelli, guadagnandosi da una parte la critica feroce di chi lo considerava un artista dedito alla messa in scena teatrale e macabra della morte, nei suoi dettagli più cruenti e inutili, dall’altra trovando un apprezzamento genuino soprattutto tra artisti suoi pari e grandi nomi contemporanei europei.

Oggi è conosciuto come uno dei pittori napoleonici più rappresentativi dei temi di guerra, eppure fu più di questo: fu allievo di Léon Cogniet, Prix de Rome, che lo stimolò a viaggiare per l’Europa e acquisire punti di vista e tecniche diverse. Fu uno dei primissimi artisti a sperimentare in Francia il miniaturismo a olio, finendo per diventare un prediletto nelle collezioni private di molti mecenati. Fu illustratore di pregio e dipinse moltissime opere soffermandosi sul realismo dei temi, dettagliando in maniera incredibile i suoi quadri che raggiungevano livelli tecnici altissimi.

A Meissonier, lo scultore e artista napoletano Vincenzo Gemito, l’anima tormentata di cui abbiamo raccontato qui la vita, amico della prima generazione della famiglia Pepe che poi fonderà la Bottega Margutta, dedicò una scultura in bronzo alta 63 cm con base in marmo. Gemito ritrae il pittore nell’atto di posare il colore dalla tavolozza a una immaginaria tela: i due uomini avevano un percorso in comune, quello solitario che a lungo li ha portati a distaccarsi dalle convenzioni sociali in favore di una espressione artistica e di vita più sincera, seppur più complicata e difficile.

Clicca qui per visitare la scheda prodotto di Ernest Meissonier a figura intera, Vincenzo Gemito, seconda metà del 1800

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Dopo una esperienza nella Prima Guerra mondiale che lo forma come giovane uomo nel Carso, e che lo vede partecipare alla sconfitta di Caporetto, Giacomo Vittone non rinuncia, come molti prima di lui, all’arte come medicina e linguaggio. L’annientamento che spesso si porta dentro chi ha vissuto l’esperienza della guerra, Vittone lo sconfigge proseguendo un percorso di sperimentazione e studio iniziato già nei primissimi anni del secolo presso lo studio dei fratelli Gatti a Torino. Con la fine della Prima Guerra mondiale però, è necessario seguire anche dei percorsi lavorativi e finisce così per lavorare in banca, sposandosi poi in Istria alla fine degli anni Venti.

Il matrimonio lo porta a trasferirsi in quella che sarà la culla del suo benessere mentale e artistico, la piccola e pittoresca Riva del Garda. Vi è a poca distanza, però, qualcosa che si incide profondamente nel suo spirito: è un luogo abbandonato dove la Seconda Guerra mondiale riesce a non arrivare. Si tratta di Canale di Tenno, un luogo di cui il torinese si innamora e che condivide nelle sue espressioni artistiche con la sua Riva, dove con pazienza e il sostegno degli artisti locali nonché della comunità, istituisce il museo civico con annessa biblioteca, uno sforzo personale compensato da grandi successi e dalla nascita di un ambiente culturale locale che ancora oggi trova stimolo nel suo ricordo e nella sua guida spirituale. A lui oggi vengono ancora dedicati libri, saggi, mostre alla memoria, a dimostrazione che ciò di cui spesso una comunità ha bisogno, è la vera e concreta azione culturale, la gioia della condivisione e la spinta ad andare sempre oltre i confini territoriali, buttandosi nei campi delle grandi espressioni, come l’arte.

Durante gli anni Sessanta, Vittone compie un viaggio al contrario, scendendo dal Trentino nel Lazio, dove si trasferisce a Ostia per questioni legate alla famiglia. Qui inizia una fase della sua vita artistica che lo vede più frenetico e spinto verso tentativi ed evoluzioni di temi e materiali, sempre con un occhio puntato però verso l’Espressionismo più puro.

Vittone è noto e quotato oggi per le sue opere caratteristiche e particolari: gran parte della sua produzione consiste di basi uniche, come cartoni o fogli di giornale, ricchi di colore, scorci di una comunità o di un paesaggio, di vita quotidiana o di stanze, elementi urbani, oggetti di vita.

Oggi a Canale di Tenno, non più abbandonato, esiste la Fondazione Giacomo Vittone, che raccoglie e mette in mostra le opere dell’artista e utilizza i suoi lasciti per contribuire al tessuto spirituale e artistico locale. Giacomo Vittone è morto quasi centenario a Ostia, lasciando un grande numero di opere che oggi è diviso tra la Fondazione e il museo civico cittadino e le collezioni dei privati, amatori o investitori che è possibile trovare alle aste dove ogni tanto viene battuta una sua opera.

La Bottega Margutta ha una discreta collezione di opere relative al secondo periodo, quello Laziale, di Giacomo Vittone disponibili nello shop

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Biografie di artisti che hanno fatto la storia dell’umanità, espressioni visive di dolori, gioie ed emozioni che hanno portato alla nascita di opere incredibili o ancora, i racconti di ciò che artista e società hanno superato, combattendo insieme o come avversari: il cinema è il mezzo più potente di cui noi, pubblico privilegiato, possiamo servirci per conoscere, approfondire e scoprire le meraviglie dell’arte.

Ecco una lista di quattro titoli immancabili per ogni cinefilo che vuole nutrire il proprio amore per arte, storia, cinema e bellezza.

Brama di Vivere è un film del 1956 che mette in scena la vita di Vincent Van Gogh nell’interpretazione di un allora divo di Hollywood per eccellenza, Kirk Douglas, la cui interpretazione di Van Gogh è decisamente notevole. Girato da Vincente Minnelli si basa sul libro omonimo di Irving Stone. Attraverso una fedele ricostruzione della vita del pittore, ripercorriamo le tappe che hanno segnato l’uomo tra tormento e ascesa, attraverso scelte registiche peculiari dell’epoca d’oro degli anni hollywoodiani, scelte che valsero al film premi e nomination prestigiose agli Oscar e ai Golden Globe. Tra gli attori, mostri sacri del cinema come Anthony Quinn nei panni di Paul Gauguin. Il produttore della pellicola, John Hauseman, coltivò il progetto di questo film per quasi dieci anni.

I Colori della Passione, del 2011, è un’opera complessa e di rara bellezza sensoriale, che risponde a una esigenza del regista ben precisa: quella di immergere lo spettatore in una realtà su più livelli attraverso il racconto di un dipinto. Una meta-opera il cui protagonista è Pieter Bruegel, maestro fiammingo del 1500. Nella pellicola, il pittore dipinge uno dei suoi quadri più famosi, La Salita Al Calvario: lo spettatore guarda il maestro Bruegel, il maestro guarda la sua tela. La tela è viva e si riempie di personaggi a cui il pittore attinge per la sua ispirazione. Il mugnaio, i giovinetti del villaggio, i pastori: li osserva nella loro vita reale, sprazzi di realtà che vengono fissati per sempre su una tela tridimensionale man mano che le vite si intrecciano e le storie si svolgono sotto gli occhi dello spettatore. Un’opera affascinante del regista polacco Lech Majewski che è stata proiettata nelle gallerie, nei musei e nei siti d’arte più prestigiosi del mondo, prima di approdare infine, per un brevissimo istante, nei cinema.

Andrei Rublev, del 1966, è un film difficilissimo da affrontare, una prova ardua che il regista, l’immenso Andrej Tarkovskij, posiziona sapientemente al centro del percorso di costruzione culturale di cinefili e amanti dell’arte. Non solo, si tratta di un ritratto crudo e senza sconti di un passato, quello della Russia del quindicesimo secolo, che fa da sfondo all’arte del maestro indiscusso, ieri come oggi, dell’icona russa. Andrei Rublev vive una vita dura, fatta di violenza, brutture dell’animo umano e fede, moltissima fede. Questa la visione di Tarkovskij, che per raccontare le opere preziosissime e immortali di Rublev, può basarsi solo sulla storiografia del tempo ma non su biografie dell’artista. Non ne esiste nessuna. Rublev ha attraversato i secoli rendendosi immortale attraverso le sue icone, diventando un santo della Chiesa Ortodossa e dando vita a una rappresentazione di fede come mai al mondo si è visto. Il nocciolo della pellicola, oltre a mostrare al mondo chi fu Andrei Rublev, è soprattutto l’indagine degli effetti dell’arte in un contesto devastante, in grado di annientare qualsiasi sensibilità in un animo debole. L’arte di Rublev ha influito, durante e dopo, nell’evoluzione della società russa e nel dialogo dell’uomo con Dio?

Arca Russa del 2002, è la pellicola di un altro pilastro del cinema russo e mondiale, Aleksadr Sokurov, il cui splendore sconfina dall’immagine per infiltrarsi nell’appagamento estetico di chi guarda. Primo aspetto notevole della pellicola è la tecnica registica, un unico piano sequenza senza nessuno stacco, un unico lunghissimo respiro che dura un’ora e trentanove minuti. La cinepresa accompagna due uomini che attraversano i magnifici saloni del Palazzo d’Inverno a San Pietroburgo: di uno non conosceremo mai l’identità, dell’altro sappiamo che è un marchese francese del 1800. Egli è l’accompagnatore arguto che mostra i favolosi interni e le opere d’arte del Palazzo d’Inverno allo sconosciuto visitatore, noi probabilmente, dialogando di arte, politica, guerra, amore, mentre personaggi effimeri del passato e del presente si muovono per i corridoio e le sale da ballo. Sokurov mescola storia, arte e politica guidando lo spettatore passo passo verso domande che a volte rimangono senza risposta, mentre la mente registra, con il fiato sospeso, l’incredibile bellezza sospesa nel tempo del contesto. Il finale del film non delude, un risvolto fantastico per un film che sembra davvero un’esperienza onirica in stato di veglia.

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Lucrezia, fresca di voti in un convento carmelitano, posò per vari dipinti del Lippi, tra cui uno intitolato La Vergine e il Bambino. Questo fu possibile perché il Lippi stesso era un prete gesuita, incaricato per le sue grandi abilità di pittore e sensibilità artistica, di affrescare e dipingere al di fuori del proprio monastero. Durante i lavori dell’opera sulla Vergine e il Bambino, i due religiosi si innamorarono, intrecciando una relazione sessuale che non rimase segreta a lungo, anche per volontà del Lippi stesso di vivere la sua vita nonostante imposizioni e doveri.

Dopo lunghi anni di scandalo alla luce del sole, i due furono benedetti dalla potentissima famiglia Medici, la cui intercessione nella seconda metà del 1400, permise a Lucrezia di lasciare il convento e stabilirsi nella casa fiorentina del Lippi. Non si sposarono mai e dall’unione nacquero due figli: il figlio maschio, Filippo, detto Filippino, fu anch’egli un famoso pittore.

Amore o dovere (Love or Duty), 1873, Gabriele Castagnola

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Quest’opera raffigura una scena dell’Orlando Furioso: Ruggiero in groppa a un ippogrifo, tenta di uccidere l’orca e liberare una terrorizzata Angelica. I versi corrispondenti nell’opera poetica si trovano nelle ottave 100 – 110, in cui si legge il culmine dello scontro, che vede Ruggiero in enorme difficoltà e che lo costringerà a un cambio di tattica contro la possente orca:

Tenea Ruggier la lancia non in resta,
ma sopra mano, e percoteva l’orca.
Altro non so che s’assimigli a questa,
ch’una gran massa che s’aggiri e torca;
né forma ha d’animal, se non la testa,
c’ha gli occhi e i denti fuor, come di porca.
Ruggier in fronte la ferìa tra gli occhi;
ma par che un ferro o un duro sasso tocchi.

Ruggiero che libera Angelica, Jean Auguste Dominique Ingres, 1819

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Questo olio su tela chiamato “My Wife’s Lovers” è stato commissionato nel 1861 al pittore austriaco Carl Kahler (1855–1906) dalla miliardaria americana Kate Birdsall Johnson, personalità eccentrica e anche raffinatissima gattara. Ritrae i suoi quarantadue amici in un’opera che, terminata nel 1893, nel 2015 è stata battuta all’asta per una cifra da togliere il fiato: 826.000 dollari. Durante l’asta, che partiva da una stima di 200.000 verso un massimo di 300.000 dollari, una piccola guerra di offerte ha fatto raggiungere in due minuti netti la cifra già record di 600.000 dollari circa. L’ultima offerta di 826.000 l’ha conclusa un anonimo acquirente che ha dichiarato di volere il quadro in ricordo della madre, morta a 91 anni, molto affezionata a una stampa di quest’opera che il figlio le aveva regalato molti anni prima.

My Wife’s Lovers, olio su tela, 1861 – Di Carl Kahler (1855-1906)

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Cresciuto in una società in totale estasi per il Neoclassicismo, decide di esprimersi controcorrente, con opere dai colori carichi, atmosfere romantiche e spesso misteriose, ambientazioni scure, spesso vaghe. La Vienna che conta, cioè quella dell’Accademia dove forma la sua istruzione, lo boccia completamente definendolo un artista senza talento: allo stesso tempo colleghi pittori e collezionisti non lo degnano nemmeno di uno sguardo. L’Accademia, in fondo, ha parlato. Makart non batte ciglio e continua a perfezionare il suo stile unico che pian piano, dopo vagabondaggi in tutta Europa, inizia ad attirare l’attenzione. Arriva così il momento della dolce vendetta: l’aristocrazia e la famiglia reale lo adorano, gli viene regalato un atelier favoloso, il suo nome brilla su quello degli artisti che contano e… finisce per diventare professore all’Accademia di Vienna. Sarà in lui che Klimt troverà una direzione per la sua splendida arte.

Ritratto di Karoline Gomperz, 1870, olio su tela

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I dettagli scandalosi dell’autoritratto femminile più famoso del mondo sono, come spiega lo storico inglese Colin Jones, la rappresentazione di un legame come la maternità in una luce intima e senza costrutto, a differenza di tutte le Maternità viste fino a quel momento. Nell’arte classica la regola indica chiaramente i canoni di rappresentazione di una coppia madre – figlio e in questo canone non è contemplato un sorriso di gioiosa complicità. Men che meno è contemplato un sorriso che mostra i denti. Questa è la vera pietra dello scandalo: in arte, i denti visibili sono legati a un immaginario negativo, ambiguo, a una mancanza di controllo sulle emozioni che richiama la pazzia o l’estasi ma anche a un significato spesso ironico, senza accezioni positive.

La Le Brun rompe la convenzione della rappresentazione facciale, con un autoritratto classico di alto livello dove un sorriso che mostra i denti esprime la gioia del rapporto materno. Questo è il primo “vero” sorriso della pittura occidentale. Allo scoppio della Rivoluzione Francese, la Le Brun donna di carattere, indipendente, forte e molto ironica, saluta la sua amica, altra donna degli scandali Madame du Barry, prende Julie e un po’ di denaro e fugge via, lasciandosi dietro il marito e il caos. Girerà per le corti d’Europa, ricca di ammiratori, estimatori e commissioni per i suoi famosi ritratti.

Autoritratto con la figlia Julie – Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1786)

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Stiamo guardando il momento più malinconico di una storia tragica, quella tra la principessa Hellelil e la sua guardia del corpo Hildebrand. L’amore sbocciato tra i due giovani è ostacolato dal padre di lei: i due si amano in clandestinità, rubando momenti e carezze negli angoli segreti del palazzo finché il padre di Hellelil ordina ai suoi sette figli maschi di uccidere Hildebrand. Il giovane si difende e ne uccide sei, prima che la sua amata Hellelil implori la grazia per il fratello più piccolo.

Lui china la testa e accetta, ma l’onore è, nelle antiche ballate da cui anche questa storia è tratta, un elemento importante nelle vite dei protagonisti. Tanto importante che Hildebrand si toglie la vita per donarla al giovane avversario e rendere l’onore alla sua amata, che però sena di lui non può sopravvivere: muore anche lei. L’attimo dipinto da Burton è l’ultimo incontro tra i due giovani, un attimo di dolorosa consapevolezza: Hellelil rifiuta ciò che sta per avvenire, Hildebrand la trattiene in un gesto carico di passione, ma la rinuncia è nell’aria e li divide, in una lotta straziante tra il desiderio di essere uniti e la consapevolezza che tutto, invece, sta per finire.

The Meeting on the Turret Stairs (Hellelil and Hildebrand), 1864
Incontro sulle scale della torre, 1864, di Frederic William Burton (1816 – 1900)

Su Hellelil e Hildebrand e sulla loro tragica storia, non esiste un vero e proprio testo. Una antica ballata celtica che ne canta le vicissitudini, tramandata oralmente, fu riportata per iscritto con varie modifiche dal poeta William Morris in una poesia chiamata Earl Brand. Il testo di questa poesia è quello a cui si è ispirato Burton per il dipinto. Nel tempo si sono riunite molte ballate medievali in un unico testo inglese del 1800, chiamato Child Ballads. Qui vi appare la versione “originale” della storia usata da Morris per la sua poesia.

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Aveva dalla sua la discendenza in una famiglia di appasionati artisti: suo padre era Johann Heindrich Roos e lo introdusse in qualità di allievo, fin dalla tenera età, a paesaggi e vedute barocche diffuse nella Germania del diciassettesimo secolo. Di tutti i fratelli Roos, Philipp Peter fu il più famoso e fortunato, grazie alla sua capacità di rendere al meglio i pastorali, soggetti prediletti da tutta la famiglia. Nel 1677, grazie a una sovvenzione del Langraviato di Hesse-Kassel, arrivò in Italia. Da Bologna si spostò a Roma dove quasi immediatamente entrò a far parte della Schildersbent, i cui componenti si facevano chiamare Bentvueghels: una associazione di pittori fiamminghi e olandesi che si era formata a Roma tra il 1620 e il 1720. Tra i Bentvueghels, Philipp Peter prese il soprannome di Mercurio, in riferimento alla sua dote di rapidità nel creare un’opera.

A Roma fu allievo dal maestro Giacinto Brandi, figura di rilievo del Barocco romano insieme a grandi nomi come Pietro da Cortona o Carlo Maratti. La frequentazione con il Brandi lo portò a conoscere la figlia Maria Isabella, di cui si innamorò. Un amore grande e felice, che gli fece abbandonare il luteranesimo per la conversione al cattolicesimo, in modo da sposare Maria Isabella nel 1681. La sua fortunata vita proseguì nella capitale con l’ingresso nella confraternita religiosa di artisti chiamata Congregazione dei Virtuosi al Pantheon, tutt’oggi esistente. Nel 1684, Roos e la moglie si spostarono a Tivoli e fu proprio qui che prese il soprannome di Rosa da (o di) Tivoli. Passò il resto della sua vita dipingendo soprattutto paesaggi campestri, figure di animali da fattoria e domestici, su cui compì lunghi studi e figure di pastorelli o paesani dalla tipica apparenza laziale.

Le opere di Roos sono conservate in numerosi musei, da Berlino a Firenze a Stoccarda. Disponibile nella Bottega olio su tela attribuito a Philipp Peter Roos, secolo XVII con cornice dorata coeva.

L'articolo La scene campestri di Rosa da Tivoli proviene da La Bottega Margutta.