I reliquiari a ostensorio sono tipici dell’età Medievale e il loro nome deriva dalla forma molto simile a quella dell’ostensorio eucaristico. Nella Storia dei Reliquiari si legge:

I primi reliquiari erano molto semplici, costituiti da cassette di legno o da riproduzioni di chiese e prendevano il nome di scrigno. Tra le prime reliquie vi furono quelle costituite dai corpi dei martiri delle persecuzioni dei primi secoli: essi venivano obbligatoriamente sepolti nei cimiteri o nelle catacombe, nel caso di Roma, perché secondo la legge romana non si potevano tenere i corpi dei defunti dentro il perimetro delle città. A volte parti della salma venivano asportate e conservate in altri luoghi. Un grande impulso si ebbe dopo l’Editto di Milano con il quale Costantino autorizzò il Cristianesimo: si permise la sepoltura di santi, martiri e altro nelle chiese. Reliquie della croce sulla quale era morto Gesù Cristo divennero molto comuni dal IX secolo ed erano contenute in reliquiari a forma di croce. Dal X secolo cominciarono ad apparire reliquiari aventi la forma esterna del tipo di reliquia in essi contenuta, quindi a forma di mano, teschio, braccio ed altre parti del corpo umano. In epoca gotica si viene determinando una tipologia molto simile all’ostensorio e si sviluppa il reliquiario in forme architettoniche.

I reliquiari a ostensorio sono tipicamente esposti sull’altare per mostrare la reliquia all’interno e possono essere portati in processione, sollevati verso l’alto per permettere ai fedeli di vedere l’oggetto venerato.

La nostra coppia di reliquiari a ostensorio, proveniente da Napoli e datati prima metà del 1700, presenta due singoli elementi molto simili tra loro, riccamente decorati come da tradizione, in argento sbalzato montato su legno. Per le schede prodotto cliccare QUI e QUI

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Grazie a una squisita capacità artistica, a un gusto unico e a una brillante mente proiettata al marketing, Chippendale decide di diffondere qualcosa che mai si era visto prima: il suo catalogo di mobili. Un progetto unico nel suo genere e dalle finalità innovative: con «The Gentleman and Cabinet-Maker’s Director», Thomas Chippendale per la prima volta offre una visione globale della sua arte, delle sue capacità e delle scelte possibili da costruire e avere, direttamente ai clienti (prima inglesi e, con le edizioni seguenti, in tutta Europa e America).

Ma Chippendale non si ferma qui: la sua idea di marketing si espande comprendendo nel catalogo una scelta non solo dedicata alla classe facoltosa inglese, ma anche a chi, con mezzi molto più limitati, dalla provincia alla città, desidera possedere un mobile unico. Concentrando la produzione in laboratorio, l’ebanista si dedica a unire nel suo caratteristico equilibrio raffinato ed eccentrico, caratteri gotici, orientali o rococò, dando vita a un modello di commercio del mobile che cambierà per sempre le cose. Il catalogo «The Gentleman and Cabinet-Maker’s Director» è dunque una testimonianza contestualizzata sotto vari aspetti dell’importanza del mobile inglese dal Settecento in poi, del successo di una sperimentazione commerciale e della storia di un uomo diventato una vera e propria leggenda.

Il libro è ricco di disegni e caratteristiche delle idee di Chippendale, tramandati identici edizione dopo edizione. Un ottimo volume per conoscere questo stile immortale, dai grandi elementi alle famosissime sedie, direttamente dalla mano del suo creatore.

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I dettagli scandalosi dell’autoritratto femminile più famoso del mondo sono, come spiega lo storico inglese Colin Jones, la rappresentazione di un legame come la maternità in una luce intima e senza costrutto, a differenza di tutte le Maternità viste fino a quel momento. Nell’arte classica la regola indica chiaramente i canoni di rappresentazione di una coppia madre – figlio e in questo canone non è contemplato un sorriso di gioiosa complicità. Men che meno è contemplato un sorriso che mostra i denti. Questa è la vera pietra dello scandalo: in arte, i denti visibili sono legati a un immaginario negativo, ambiguo, a una mancanza di controllo sulle emozioni che richiama la pazzia o l’estasi ma anche a un significato spesso ironico, senza accezioni positive.

La Le Brun rompe la convenzione della rappresentazione facciale, con un autoritratto classico di alto livello dove un sorriso che mostra i denti esprime la gioia del rapporto materno. Questo è il primo “vero” sorriso della pittura occidentale. Allo scoppio della Rivoluzione Francese, la Le Brun donna di carattere, indipendente, forte e molto ironica, saluta la sua amica, altra donna degli scandali Madame du Barry, prende Julie e un po’ di denaro e fugge via, lasciandosi dietro il marito e il caos. Girerà per le corti d’Europa, ricca di ammiratori, estimatori e commissioni per i suoi famosi ritratti.

Autoritratto con la figlia Julie – Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1786)

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E’ proprio con delicate, caratteristiche miniature che Rosalba inizia a farsi un nome nell’ambiente artistico della Venezia del 1700, diventando una delle presenze note tra artisti italiani e stranieri, nobili e diplomatici, fino a crearsi un seguito di prestigiosi ammiratori. Federico Augusto II le dedicò un intero spazio nella sua residenza di Dresda, chiamato Gabinetto di Rosalba, dove si poteva ammirare la più larga collezione delle sue opere. Il nome di Rosalba e la sua espressione artistica così femminile e raffinata, viaggiarono nei salotti e a corte ma, soprattutto, ottenne un riconoscimento inedito per un’artista femminile in quel periodo storico. Fu nominata all’Accademia di Bologna, di Roma e di Parigi e i suoi lavori, soprattutto i ritratti a cui si dedicò fino al termine della sua vita, conobbero un vastissimo apprezzamento in tutta Europa.
Un bell’approfondimento su Rosalba Carriera si può leggere nello studio “Young Lady with a Parrot” di Bernardina Sani in Art Institute of Chicago Museum Studies, vol. 17, 1991.

Ritratto di Flora, II metà del 1700. Tempera, con cornice ovale in legno dorato. Attribuito a Rosalba Carriera. Disponibile sullo shop.

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